How To Blow Your Mind and Have A Freak-Out Party

"How To Blow Your Mind and Have A Freak-Out Party"

1967 acid-rock relic floats by in a puff of harpsichord, sitar, chimes and sound effects-and the "how to" is carried through in the liners, which tell you how to spice up your parties with TVs and kaleidoscopes! Meditate,hallucinate and more flower-power freakishness.

Listas de canciones
I've Got a Zebra- She Can Fly
Play Your Game
Girl from Nowhere
Flora's Holiday
Love Supreme Deal
Prana
Electric Buddha
Hare Krishna

• 
  

Drums, Vocals – Gary (17)
Guitar [Lead, Rhythm], Vocals – Peter (139)
Guitar [Lead], Bass, Vocals – Ken (20)
Narrator – Steven Kapotvich
Producer – Chris Huston
Soprano Vocals – Victoria Sackville
Vocals – Andrea Ross (3)

Vocals, Composed By – David Dalton

THE STUPIDEST RECORD OF THE 1960S?

I have been avidly buying records since I was eight. By that age, I had a pretty full grasp of rock and roll and its furthest reaches (the second record I ever bought was Mothermania by The Mothers of Invention). I “got” what oddball records were and looked for them specifically. The Audio Fidelity label was for the most part the home of sound effects records, newfangled stereo experiment records with bongos going back & forth from speaker to speaker, calliope music, Nazi marching orchestras and all other kinds of similar cheapo ephemera. It was a budget label like the ones pre-VU Lou Reed worked for, but it rarely delved into rock and roll. There was a three-volume set called Jet Set Discotheque with a few truly remarkable garage tunes from god knows where and a little later, this psychedelic abomination, How to Blow Your Mind and Have a Freakout Party.
 

 
Had this come out on the ESP Disk label (and it certainly could have) it would have found fans who “dug” the Fugs and other off-kilter freaks, but because it was on this un-hip “bow-tie-daddy” label it aroused suspicion and was relegated to stay where these records were placed anyway, even when they were brand new—in the 99 cent cut-out bin.

Don’t get me wrong, this is most definitely an exploitation record (or a “psychsploitation record” as they are known in deep record collector lingo). Most exploitation records are recorded by older hack musicians with no clue of the subject matter (which is what gives them their charm, especially when they’re trying to be psychedelic). This record was most definitely recorded by young people. On acid. It’s crude, young, and innocently dumb, which is what saves it from being just another boring psych record. The art also resembles a kids school book drawing version of the great Cal Schenkel art on the Mothers of Invention LP covers.

I found this in a used record store in 1972 and knew immediately from the cover that I would love it. And I was right. The record is experimental beyond its time, has incredibly bizarre effects I’ve never heard on any other record from this time period, plus catchy songs (at least on side one). Around the same time I bought a Grateful Dead record and expected it to sound just like this due to their extreme hype, not the boring country record I wound up being disappointed with.
 
 
The band credited is called The Unfolding. There is one name I recognize, David Dalton. There is a David Dalton won the Columbia School of Journalism Award for his Rolling Stone interview with Charles Manson, wrote bios on Andy Warhol, Sid Vicious, The Stones, Janis Joplin, Jim Morrison, etc., and he co-wrote Marianne Faithfull’s autobiography. I have no idea if this is the same person but it very well may be as this was a New York label and Mr. Dalton was a New Yorker (the CD reissue liner notes are no help in this department).

This record was most certainly made for a kid like me. It comes with hysterical instructions on “how to freak out,” plus an insert where you can send for psychedelic “stuff” for your very own freakout party! The TV trick is my favorite and the first thing I ran to try, messing up my parents TV in the process!
 
 You can really turn your guests on with a mind-blowing light show with two things you probably have in your house right now: a TV set and a see-through kaleidoscope (not the kind with colored glass in the bottom). First put a rock and roll record on the phonograph. Turn on your TV and make the image jump in time to the music by turning the vertical knob all the way to the left or right. Now point the kaleidoscope at the TV screen. This is a guaranteed TRIP. Now play the same record at another speed. YOU ARE NOW FREAKING OUT. Enjoy it.

 
 To set the scene for the party, spray pop bottles or an old chair with DAY-GLOW PAINT in bright colors, then light the whole room with DAY-GLOW light (you can buy these in any hardware or art-supply stores). This will make everything glow with weird luminous psychedelic colors. Guaranteed to blow their minds right away.

There’s even instructions on how to dress:Wear bright really out-of-sight combinations, things that look stranger together. GIRLS! This is a chance to wear something exotic and fantastic that you wouldn’t get a chance to put on. Perhaps spray an old pair of shoes with DAY-GLOW and wear DAY-GLOW tights to match. Bright oranges and greens, goofy jewelry, peacock feathers as earrings and a super mini-skirt.  GUYS! The idea is to look cool and mysterious, so wear moccasins, prayer beads, or Indian bells, psychedelic buttons, and groovy mod clothes. If you really want to blow your guests’ minds, paint your face in wild colors. It’s a chance to use some way-out make-up effects. Paint flowers on your arms and wear a mystical PSYCHEDISK on your forehead. Hypnotize your friends with its hallucinating effect.

In case you don’t have it memorized, they clue you into the (hysterical) “Psychedelic Top Ten”!
 
 
A few more instructions with a green and purple gleam in their winking third eye and we’re on our way:Invite your grooviest friends, people who really swing, and enjoy exploring new and exciting experiences. BLOW YOUR MIND, FREAK OUT, etc. on pieces of colored paper, then glue them on to a piece of tinfoil and fold. This will let them know what kind of scene it’s going to be. Ask everyone to bring things they really dig: records, candy, people, flowers, books on flying saucers, kooky things. Tell them it’s a costume party and to come in their most out-of-sight clothes. Tell them it’s going to be a happening; they’ll get the message.

 
 By now your guests should be really grooving with your head. Get everyone involved in way-out conversations. Read your horoscopes. Compare the personalities of people born under different signs.

Oddly they leave almost nothing to your imagination, truly the antithesis of a psychedelic experience, but they must have known the plastic people they were aiming this at.

Merry MacMasters habla sobre Carlos Zerpa, para La Jornada

Sábado 23 mayo 2020

Carlos Zerpa en la Galería Metropolitana

Merry MacMasters.

El artista venezolano “NOconvencional” Carlos Zerpa (Valencia, 1950) tiene una relación con México que se remonta a 1981, sin embargo Metiendo mano, de 38 obras, entre pintura, ensamblaje, dibujo, video y una instalación, que se montó en la Galería Metropolitana, es su primera exposición individual en el país.

Tan intenso ha sido su vínculo que en marzo de 2019 Zerpa decidió radicar aquí, “por razones afectivas”: “Hay muchas personas que quiero y me quieren. Es un país donde se conoce lo que hago. No llego tan en paracaídas, sino aquí está mi historia mexicana, al hacer performance, participar en exposiciones, impartir seminarios. He venido tantas veces que ya perdí la cuenta”.

Sr. Conejo y Carlos Zerpa. Foto Merry MacMasters

En el Coloquio Internacional de Arte No Objetual, organizado por Juan Acha, en Medellín, Colombia, Zerpa hizo una buena relación con colegas mexicanos, como Lourdes Grobet y Felipe Ehrenberg, los integrantes del No-Grupo (Rubén Valencia, Melquiades Herrera y Maris Bustamante), “tanto por sus propuestas como lo que llevaba en ese momento”. Tiempo después, en el Foro de Arte Latinoamericano, realizado en México, fue invitado para hacer un performance.

En ese primer viaje al país Zerpa entabló amistad con Adolfo Patiño e hizo muchas cosas con su galería La Agencia y Peyote y la Compañía. Después, se presentó con el No-Grupo como artista invitado en el Museo de Arte Moderno, en el proyecto Caliente! Caliente! También fue invitado a la apertura del Museo de Guadalajara y a todos los premios del Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey.

Metiendo mano -título que alude al disco de 1977 de Rubén Blades y Willy Colón— es una exposición curiosa porque combina pintura hecha en los años 90 del siglo pasado, con trabajo reciente. “Estos cuadros pertenecen a una época en que estaba muy ligado a las artes marciales, su tema principal, al mundo del tattoo art, de los sellos que llevan los karatecas, simbología de la época mezclada con tatuaje”, expresa el artista quien parte de lo popular.

Las pinturas, de hecho, formaron parte de una exposición realizada en varias ciudades de Colombia. Con el tiempo resultó imposible regresar la obra a Venezuela, entonces, Zerpa pidió que la obra fuera mandada a México. Santiago Espinosa de los Monteros, actual director de Artes Visuales y Escénicas de la Universidad Autónoma de México, la guardó “muchos años” en su casa. Ahora en México “decidimos abrirla”. Al ver los lienzos extendidos en el piso de la Galería Metropolitana, dijeron, “está cargada de elementos que tienen que ver con México”.

También se decidió incorporar piezas nuevas, hechas ya aquí, como los panderos que tienen máscaras de luchadores. “A finales de los años 50 y 60 mis héroes de la lucha libre eran mexicanos y venezolanos. El Santo estuvo una temporada larga en Venezuela, junto con Huracán Ramírez y Ray Mendoza, entonces eran recuerdos infantiles mezclados a la lucha libre de mi país. También está el juego de incorporar objetos de la cultura popular que consigo en los mercados.

Sr. Conejo y Carlos Zerpa. Foto Merry MacMasters.

La instalación que acapara la atención es Sr. Conejo, figura de más de dos metros de altura. Zerpa se topó con él un día en el centro de Caracas, a la entrada de una tienda de magia. Había “ayudado” a Mr. Henry, un mago venezolano que el artista veía de niño en la televisión. El entrevistado sintió “una energía muy fuerte”, entonces logró comprar el conejo que lo ha acompañado desde entonces.

Para la muestra de la Galería Metropolitana el enigmático animal se ha vestido de boxeador, con sus guantes de 16 libras y su cinturón de campeón internacional de boxeo. Zerpa advierte: “De noche camina por allí”. Ya se ha paseado por Caracas en motocicleta y trepado escaleras. Está presente en todas las muestras del artista.

Una reflexión final: “Dentro del arte hay una locura, que no es nueva, de ver sólo la cresta de la ola que se levanta y todo el mundo quiere estar en la cima. En mi país hemos vivido, todos los que no hacemos arte geométrico, el efecto terrible de esta situación, con todo respeto a un señor como Jesús Soto. Sin embargo, el que no hizo geometría, arte óptico, cinético, está fuera de lugar. Hoy de nuevo está de moda un abstraccionismo bastante extraño, una nueva geometría. También un arte conceptual que en muchos casos no tiene concepto. Es una mala interpretación de lo que es el pensamiento de Marcel Duchamp y le hace daño a los verdaderos conceptualistas”.

La exposición Metiendo mano estaba programada para durar hasta el 29 de marzo de 2020, en la Galería Metropolitana, Medellín 28, colonia Roma. El periodo de exhibición fue interrumpido por el cierre de la galería debido a la crisis sanitaria del COVID-19.

Carlos Zerpa Genio de las Feas Artes

Carlos Zerpa es entrevistado por Horacio Blanco, de la banda, Desorden Público, para el periódico "El Diario".
Pase adelante.

Genio de las Feas Artes

A propósito del natalicio de Reverón, cada 10 de mayo se celebra el Día Nacional del Artista Plástico, una efeméride que pasará muy por debajo de la mesa en medio de la cuarentena. Me planteé, sin embargo, ponerle el termómetro a ese enigmático cosmos donde habitan pintores y afines y conversé con Carlos Zerpa; un carabobeño de naturaleza subversiva quien desde México me habló de arte, locura y mundos irredentos. Para este creador NO-Convencional un retrato del Covid-19 sería un cuadro totalmente negro, con un lucero que brilla en medio de la oscuridad

Por Horacio Blanco

De Carlos me impacta su manera de llevar el pop a las artes no tradicionales. Sus ensamblajes, sus collages tridimensionales, sus intervenciones en objetos cotidianos. Así también sus dibujos en formatos grandes, con colores planos y estridentes. Y por supuesto su humor.

Danel Sarmiento. Músico. Diseñador gráfico e industrial

Una persona súper trabajadora. Consecuente. Irreverente. Sus planteamientos conceptuales siempre han sido contundentes. Un gran investigador a quien le interesa lo social. Un creativo per se. 

Gabriela Benaim. Galerista. Directora de GBG Arts

He tenido la oportunidad de hacerle muchas exposiciones. Un tipo sensacional, único. Un gran artista, de esos a quienes inmediatamente le reconoces su obra. A parte de su arte tiene dos importantes cualidades en la vida: gran magallanero y gran rockero.

Camilo Betancourt. Subdirector (jubilado) de Museografía e Infraestructura

Galería de Arte Nacional, Museo de Bellas Artes

Un artista que supo crear su propia iconografía con base en machetes, cuchillos, balas. Herramientas y elementos de la violencia en la ciudad. La vida y la muerte.

Muu Blanco. Artista multidisciplinario

En su discurso, altamente intelectual y cargado de sensibilidad, crea asociaciones por lo general insólitas y lúdicas entre los objetos que selecciona, sin despojarlos de su concepto natural, para ofrecernos entonces un nuevo significado que siempre nos sorprende.

Luisa Elena Sánchez y Carola Toro. Directoras de Galería 39

De niño veía en casa películas mexicanas. A los 11 oía roncanrol. Con apenas 18 ya repartía su vida entre trabajar en un banco y estudiar diseño por las noches. Siguiendo instinto y vocación, y tras conseguir una beca, matriculaba en la Scuola Politecnica di Disign, en Milán, sin hablar ni papa de italiano. La lista de países, instituciones y maestros con quienes continuaría su formación apenas comenzaba. Su energía y creatividad tendrían desde siempre un solo dueño: él mismo.

Su impresionante exploración artística, iniciada en la década de los 70, incluye pintura, escultura, instalaciones, ensamblajes, performance, body art, arte sonoro y muchos otros formatos que en su mente y tatuados brazos se amalgaman, se disuelven y sobreponen, sin parar en fronteras o complejos estilísticos, plantándole cara a normas y clasificaciones. De ahí nació lo que él orgullosamente se da en llamar arte NO-Convencional.   

Su talento disruptivo, que tanto tiene de colores e imaginarios venezolanos, le ha llevado a exponer en una larga lista de espacios en Latinoamérica y Estados Unidos. Impresiona leer en su biografía nombres como el Museum of Modern Art (MoMA), el New York Bronx Museum o el Alternative Museum en Nueva York; el Museo de Las Américas, en Washington; el Museo de Arte Moderno de San Diego, California; el Museo de Arte Contemporáneo de Cali; el Museo de Arte Moderno de Bogotá; el Museo de Arte Carrillo Gil de Ciudad de México; el Museo de Arte Moderno de Monterrey; el Museo de Arte Moderno de Ecuador; la Galería de Arte Nacional y el Museo de Bellas Artes, en Caracas, Venezuela. Guau.

Aunque el coronavirus le ha enfermado amigos cercanos y hasta le llevó a un primo en España, estos tiempos de comiquita, como él los llama, los ha aprovechado al máximo. “En estos días de cuarentena ya tengo [material suficiente] para una nueva exposición. Ya veremos si tiene sentido mostrarla”, confiesa con sarcasmo. Por lo pronto la exhibición Metiendo Mano, esa que le llevaría a tres museos mexicanos este mismo año, está en veremos.

Zerpa está entrenado para dar entrevistas. Adivina al interlocutor. Se pregunta a sí mismo. Responde rápido. Sorprende. Siempre le aflora la palabra Libertad. En sus giros y reflexiones encontré lecciones para la creación y el arte, y también para el amplio compás de la vida.

Te autodefines como un artista NO-Convencional

—Cien por ciento No-Convencional. Lo convencional tiene que ver con leyes establecidas y parámetros exactos de cómo deben hacerse las cosas. Siempre he intentado hacer lo que me da la gana y romper esos parámetros. Si se supone que la escultura debe ser hecha en bronce o en mármol yo me tomo la licencia de hacerla en cabello humano, en mantequilla, en chocolate. Busco vías que me lleven a la Libertad.

Entonces eres libre a través del arte

—De chamos venimos a este mundo cantando, dibujando, bailando, recitando poesía. Entramos a la escuela y con reglas intentan amoldarnos, que sigamos un camino único. Entonces dejamos de pintar, de cantar, porque nos dicen ¡estás pintando muy mal! ¡estás dibujando muy feo! ¡tú no sabes! y así nos limitan la libre expresión. Cuando entendí que el arte era mi vida me fui por la autopista de hacer lo que quise. Sabiendo mis limitaciones. Pero atreviéndome.

Muchos te conocen por tus cuadros, pero también has hecho collage y arte postal, has trabajado con objetos, con instalaciones. Has sido diseñador, fotógrafo, performer, cineasta experimental. Has escrito libros, has hecho radio…

—Todo va orientado hacia el mismo camino: las mal llamadas artes plásticas, las mal llamadas artes visuales.

¿Mal llamadas artes plásticas?, ¿mal llamadas artes visuales? 

—Son términos necios. Está bien, para la mayor comprensión del arte y de la plástica hay que inventar nomenclaturas, pues de esa manera la gente puede aproximarse. Pero cuando empiezas a fusionar, mezclar cosas en esa infinitud que es la creación artística, metes en una licuadora el collage, el performance, el dibujo, la nueva pintura… A eso lo llamo arte NO-Convencional y eso va más allá, mucho más allá de las Bellas Artes. ¿Hago yo Bellas Artes? No. Yo hago Feas Artes.  

Una parte importante de tu obra se inspira en la mitología americana, en lo real maravilloso, en lo extraño y exuberante de nuestra naturaleza. También en lo indígena, en lo devocional.

—Son etapas que van acorde a las maneras como voy viendo el mundo. En un tiempo, por ejemplo, estuve muy marcado por la religión. La Virgen, José Gregorio Hernández, el Sagrado Corazón de Jesús, María Lionza. Empecé a incorporar estos elementos sagrados mediante el collage, los ensamblajes y el performance. Investigando llegaron a mí otras cosas que me motivaron mucho, como el mundo prehispánico, toda esa magia que encierra nuestro continente y su cultura. Muy llena de fantasmas, de alegorías. Las fui incorporando a mi trabajo. Hundí las manos en mi mundo. Saqué a la vista esas cosas que me inquietan.

¿Como tus piezas “El Dorado”, o “Acéfalo”…?

—Estaba trabajando con historias hermosas de América. “El Dorado” muestra a un cacique a quien bañan de resina y le soplan polvo de oro como iniciación para que fuese Dios en la tierra. Muy amazónico. Me apropié literalmente [de unos grabados del siglo XVI] de Theodor de Bry. Los llevé a la pintura. Yo sí creo que esas cosas pasaban, cuando el oro tenía otras características y no la codicia del conquistador. “Acéfalo” por su parte viene de una visión de Cristóbal Colón. Él aseguraba haber observado en las cabeceras del Orinoco seres sin cabeza que tenían los ojos, la nariz y la boca en el pecho. Impresionante. Probablemente sí estaban por ahí. Quizá vivan todavía, Amazonas adentro. Da como susto, ¿no?

Hablando de susto, ¿quién o qué es la “Calabala”?

—Un día se me acercó un pana en común, Danel [Sarmiento]. Llegó a mi casa y me dijo “necesito que hagamos un trabajo para el disco Plomo Revienta de Desorden Público. Tiene que ver con el Valle de Balas, con los disparos, con la locura. ¡Imagínate cómo sería hoy en día con lo de Petare! ¡Qué horror! Empecé a darle vueltas a la idea. Yo en ese momento estaba trabajando con calaveras y dije ¿y si hacemos una calavera cuya piel sea de balas 9 mm? Me propuse el reto de crear ese personaje terrible. El nombre se lo puso Danel. En una oportunidad en Tijuana me invitaron a exponer. Cuando llegué me impactó ver la ciudad repleta de afiches de la exposición justo con esa imagen. Era muy impresionante. Ahí estaba ese Dios de la guerra, de la maldad, del enfrentamiento a balas.

Estuviste muy metido en las artes marciales. ¿De qué le sirve la pintura a un karateca? ¿De qué le sirve el kárate a un artista plástico?

—Los katas, como todas las artes, vienen de un mismo origen. Proceden de la observación primaria de la naturaleza, en este caso de recrear al tigre, a la mantis, a la grulla. Son una repetición de pasos y rotaciones, mantras hechos movimiento que mucho tienen que ver con la elevación, con el Zen. Las artes marciales, como las artes plásticas, no son para hacer daño. Ellas me enseñaron un camino de entendimiento y no-violencia. 

Formas parte de algo que se llama “Comunidad Iberoamericana de Frank Zappa”. Me da curiosidad saber por qué este músico es tan importante para ti

—Siempre he sido muy amante del rock por ser un movimiento capaz de trascender la música. De hecho, mi primer disco fue uno de [los pioneros del rocanrol mexicano] Los Hooligans. En una oportunidad leí sobre Frank Zappa en la [revista argentina] Pelo. Me impresionó su nivel, su visión emancipadora del arte. Él decía la pintura, la escultura y las artes en general están unidas por un objetivo único: la subversión por la Libertad total. Me abrió los ojos. En un viaje a Puerto Rico me compré todos los discos de Zappa que pude.

¿Cómo es tu relación con el negocio del arte?

—Siempre con el dinero aparecen problemas. Muchos galeristas se quieren adueñar de los artistas. Claro que hay vínculos que no se pueden traicionar, pero tampoco me van a decir qué pintar o cómo hacerlo. A mí nadie me frena o me encadena. Pongamos por caso: yo preparo una colección completa. Soy respetuoso en cuanto al montaje, pero es también cierto que las piezas cuentan una historia. Son como un libro. No puedes quitar el capítulo cinco, o el ocho. Pueden aparecer otras trampas. Que me digan “tienes que pintar un par de floreros porque eso es lo que se vende”, o “este cuadro que tiene un monstruo no lo presentes porque da miedo…” No. A ese punto no. O aceptas mi propuesta, o no.

Mucho se habla en estos días sobre ecología. Recuerdo tu pieza “Hombre que escucha la tierra”

—Alguien escucha la tierra y de pronto germina de su sien un árbol. Una idea hermosa, porque no es un cadáver. Es un ser vivo del cual aflora una planta. Crece de su cabeza, como también pudo crecer de su corazón. Como “Para la Libertad”, aquel poema de Miguel Hernández Gilabert que hizo famoso Joan Manuel Serrat… Soy como árbol talado que retoño y aun tengo la vida. Parto del punto que por dentro estás vivo. Que puedes volver a la vida.

¿Qué hace un ser humano NO-Convencional cuando le toca vivir en media de una pandemia?

—Una pesadilla. Hasta para bajar a botar la basura tienes que usar guantes, mascarilla, gel. A distancia prudente de otras personas. Subes, te quitas la ropa, te echas alcohol, te tienes que bañar. Qué locura. No puedes salir sino puntualmente a la farmacia o al supermercado. Dejar de ir a los parques, dejar de patear y reunirte con los amigos. Eso es lo más difícil. ¿Qué estoy haciendo? Estoy leyendo, escribiendo, pintando, haciendo un ensamblaje. Si me asfixio veo una película.

¿Muy fuerte el aislamiento, entonces?

—No. Eso no. Para los artistas el encierro es como estar en el [taller de] trabajo. Yo como artista sé vivir solo. Sé vivir conmigo mismo. Me refugio en donde siempre he estado. En mi soledad.

Rescato el hecho de que no hayas podido parar de crear…

—No puedo parar. Te aseguro que la gran mayoría de nosotros [los artistas] seguimos haciendo arte. Ahora ¿con qué nos vamos a encontrar después de esta pandemia? Todos los proyectos están detenidos. Pararon conciertos y exposiciones. Ni sabemos si se van a dar…

Entonces, ¿para dónde crees que vamos?

—Vamos a un mundo bastante diferente a lo que hemos vivido. Claro, nos adaptaremos y haremos cosas, pero mientras tanto… ¿para quién estamos haciendo arte? Estamos haciendo arte para un futuro incierto.

Día Nacional del Artista Plástico, en la conmemoración del natalicio de Armando Reverón…

—Reverón fue un artista integral. Un pintor excepcional, eso nadie lo pone en duda. Pero sus objetos, las cosas del loquito, esas sí son una maravilla. Ahí está su verdadera fuerza artística. Reverón es un artista universal y tuvimos la suerte que naciera en Venezuela. ¿Y si hubiese nacido en otro país? ¡Tendría museos gigantes y una proyección internacional más allá de la que ha gozado el mismísimo Van Gogh! No hemos aprendido la lección de amar y enaltecer a los artistas venezolanos.  

¿Qué le dice hoy Carlos Zerpa a este tan extraño mundo?

—Hay quienes hablan de la nueva toma de consciencia del ser humano. No sé. Esto va a ser una enseñanza para algunos, pero no para la gran mayoría. El mundo es ahora un auténtico [juego] Jumanji. Pandemia. La locura de Venezuela. Los problemas terribles de violencia. Y ahora resulta que el planeta está rodeado de platillos voladores. Es muy incierto todo. Pero aquí estamos.