ZZ…Continúo aun hoy en día, escuchando buen Rock and Roll y con la misma idea de cambiar el mundo…ZZ

jueves, enero 19, 2023

ÜBER CARLOS. CARLOS ZERPA. Por Costanza De Rogatis

 




Rigel García

Les dejo la cápsula que escribió Costanza De Rogatis sobre "Über Carlos" (1985) de Carlos Zerpa y Vïctor Cadet, un film Super 8 realizado a modo de introducción sobre el trabajo artístico de Zerpa e incluido en su exposición individual "Grrr..." en el Museo de Bellas Artes ese mismo año, con un largo recorrido posterior en festivales y eventos de cine super 8.

El texto forma parte de ArchivoAbierto [revisiones] en el que trabajamos juntas para abra caracas, y cierra el conjunto de cápsulas que dedicamos a Carlos Zerpa desde el año pasado.

ÜBER CARLOS. CARLOS ZERPA

Por Costanza De Rogatis

Über Carlos (Sobre Carlos) es un film súper 8 creado en 1985 por Carlos Zerpa y su amigo, el director Víctor Cadet, como respuesta a la solicitud hecha al artista de realizar un video introductorio sobre su obra, para ser exhibido en su individual Grrr… en el Museo de Bellas Artes. Para Zerpa, cumplir con este requerimiento resultaba menos interesante hacer una simple descripción de su obra y su trabajo. Por ello, el artista prefirió hacer un performance para la cámara, esta acción apuntalaba su poética con rasgos autobiográficos y claras referencias al sadomasoquismo.

Tomando como base las anotaciones de sus diarios personales durante el período en que vivió en la ciudad de Nueva York, de 1982 a 1984, Zerpa y Cadet construyen el personaje principal de la historia, basado en el performance Ceremonia con armas blancas (1981).

Desde el punto de vista narrativo, la historia cuenta el despertar del artista, luego del encuentro con una mujer la noche anterior, en el que las imágenes del presente se enlazan con fotogramas oníricos, casi surreales, de lo sucedido horas antes: bebida, droga, dominio y sumisión, violencia, pintura.

Mediante los diversos planos cinematográficos, acentuados por la música incidental –con canciones de Klaus Nomi, Art of Noise y Goblin, entre otros– la filmación, en la que no hay diálogos, se diferencia claramente del registro documental de un performance, llegando incluso a vincularse de manera cercana con el lenguaje del videoclip, en su acoplamiento de sonido e imágenes.

Sin embargo, y al igual que en las anteriores acciones de Zerpa, hay un indudable protagonismo del cuerpo del performer como motor de la obra, y también, como receptor de los estímulos externos, del placer y del sufrimiento, puesto en evidencia mediante los primeros planos de muchas de las escenas: los labios seductores pintados de rojo, amordazados; los ojos sombreados de azul, llenos de lágrimas; el juego sexual con cuchillos y sogas; el muñeco de ventrílocuo que actúa como alter ego siniestro del artista; la untuosidad de los pigmentos con los que Carlos Zerpa, se pinta, y pinta el lienzo con los dedos. El artista siendo pintura encarnada.

Es particularmente evidente este protagonismo del cuerpo, en la relevancia con la que se registra la mano de Zerpa ejecutando acciones en apariencia, contradictorias, pero que cobran particular sentido en el contexto temático del film: la mano que acaricia/ la mano que estruja; la mano que ata/ la mano que desata; la mano “pintada de azul” –como en la canción– que se desmorona/ la mano enguantada que empuña el cuchillo y ataca; la mano que pinta y crea/ la mano que quita la vida y tiñe de sangre el agua. La mano envuelta en llamas, una mano antorcha, en palabras del artista.

Esta última, alude a una experiencia ocurrida a Zerpa, en la que juega con la combustión del licor sambuca durante una cena con Victor Cadet y Violeta Minkovska, director y actriz del film, y su dedo se enciende.

Über Carlos (Sobre Carlos) fue exhibida en la individual Grrr… de Carlos Zerpa en el Museo de Bellas Artes, junto a los decorados utilizados en la película, y posteriormente mostrada en numerosos festivales, nacionales e internacionales, recibiendo Primer Premio a la Mejor Película, en el XI Festival Internacional del Nuevo Cine Súper 8, Caracas, Venezuela, 1986; Primer Premio en el 7° Festival Internacional de Cine Súper 8, Montreal, Canadá, 1986; Primer Premio Fotografía, en el Concurso de Cortometrajes, Consejo Municipal del Distrito Federal, Caracas, Venezuela, 1986, entre otros. Más recientemente fue proyectada durante la muestra ArchivoAbierto Carlos Zerpa, en Abra, en noviembre de 2016. 

Actualmente puede ser vista en la página Vimeo de Isabel Arredondo, a través del siguiente link: https://vimeo.com/546163589



lunes, enero 02, 2023

Pensando en Flores.


Pensando en Flores.

Carlos Zerpa.

31 de diciembre del 2022


No sé porque me puse a pensar en Flores, pero la mente es así. Hay Flores que me gustan mucho. Aquí va el listado.

Las Rosas Rojas, porque me recuerdan a mi papá Paco, a quien tanto les gustaban y las cultivaba, siempre había Rosas en sus jardineras.

Y ahí va Ismael Rivera cantando. “De todas maneras, Rosas, para quien ya me olvidó, más vale un ramo de Rosas, de primavera y color”. Esta fue la primera “Salsa” que escuché recién llegado de Italia, en donde vivía, sonó en la radio del carro de mi papá, cuando me fue a buscar aeropuerto y regresé a Venezuela, creo que en 1978 o 1979.

Entonces escribí este poema sin ser poeta. “Los pétalos de la Rosa, uno a uno en su boca, cual hostias para la comunión”.

Junto a la entrada del jardín se levantaba un enorme Rosal, cuyas Rosas eran blancas. Sin embargo, en torno a ellas había tres naipes/jardineros que las pintaban, dejándolas rojas, ese Rosal debió haber sido rojo, y por equivocación, plantamos uno blanco. Si la reina llega a descubrirlo, nos cortarán la cabeza, ¿comprende? Por eso, señorita, estamos haciendo todo lo posible antes de que ella venga... Alicia también pinta las Rosas blancas de color rojo y la reina quiere que le corten la cabeza…

También está la Rosa amiga de “El Principito” de Antoine de Saint-Exupéry

Schwarzenegger/Terminator, saca una escopeta, recortada de dos cañones que tenía escondida en una caja con un ramo de Rosas y sin piedad le dispara al T-1000, un androide del futuro de metal líquido.

Eau de Parfum Rosa Carnivora. Un perfume raro que no se a que huele.

Rosa Carnívora, es un hechizo perteneciente a Maldición de Espinas utilizada por Rose Evergarden El usuario es capaz de invocar o hacer crecer Rosas gigantes. Estas son plantas tipo Carnívoras que devoran lo que se les ordene, además liberan un ácido capaz de corroer cualquier tipo de material.

El nombre de la Rosa de la Bella y la Bestia se llama Rosa encantada. Un príncipe rechaza dar refugio a un mendigo que a cambio de su hospitalidad le ofrece una Rosa. Tras ser rechazado, el mendigo se convierte en una bruja y transforma al guapo principio en una bestia, dejándole la Rosa como recordatorio de que antes de que el último pétalo de la rosa se marchitara deberá encontrar el amor para conseguir romper el hechizo, ¿La recuerdas? ¿Quién no ha querido vivir como en un cuento de hadas? Ja, ja, ja, ja.

La Rosa Púrpura del Cairo, es una película de Woody Allen

¿Sabes la receta de la ensalada de pétalos de Rosa?

La Virgen María, Rosa Mística, está representada con tres Rosas cuyo significado es: La Rosa blanca simboliza el espíritu de oración. La Rosa roja, el espíritu de reparación y sacrificio. La Rosa dorada o amarilla, el espíritu de penitencia. Pa Ke Se Pa

Santa Rosa de Lima, es una santa católica, terciaria, dominica.

Del cielo cayó una rosa mi madre la recogió se la puso en la cabeza y que linda le quedó… Es un poema anónimo.

¿Has ido al lugar conocido como la Zona Rosa en la Ciudad de México?

Rene Magritte pinta “Le Tombeau des Lutteurs”, una gigantesca Rosa roja, que ocupa totalmente una habitación, piso, paredes y techo.

Rrose Sélavy es el alter ego de Marcel Duchamp

Las Rosas y los pétalos de Rosas del artista conceptual, Roberto Obregón

La Rosa Rosada (Rozada) del artista conceptual Héctor Fuenmayor

"Rosa es una Rosa es una Rosa es una Rosa" parte del poema de Gertrude Stein, "Sacred Emily"

Las Rosas son hermosas, pero también tienen espinas, así decía el escrito en la pared del elevador

El nombre de la Rosa la novela escrita por Umberto Eco. Magistral.

Un pianista tocaba un piano vertical, al aire libre en el Washington Square Park, de New York, sobre el piano tenía un pequeño florero con una Rosa, que tenía el tallo pintado de rojo y los pétalos de verde… Era una Rosa verde.

En la película, American Beauty, Mena Suvari aparece en los sueños del aburrido Lester Burnham, desnuda, entre un lecho de miles de pétalos de Rosa.

"Estos pétalos de Rosa, son como gotas de sangre en la nieve" En el film Sanguepazzo (Una historia italiana) de Marco Tullio Giordana.

El grupo “La Gran Fogata” canta: “Has visto las cosas al salir el sol, y como las Rosas cambian su color.

Y Massimo Ranieri, también va cantando. Rose Rosse per te, ho comprato stasera. E il tuo cuore lo sa, cosa voglio da te…

Rosas en los títulos y canciones…

“La Vie en Rose” de Edith Piaf

“La Vie En Rose” de Grace Jones

“Desert Rose” de Sting

“A Rose by Any Name” de Blondie

“The Rose Tattoo” de David Byrne

“Mother Rose” de Patti Smith

“The Rose” de Janis Joplin

“Monarchy of Roses” de Red Hot Chili Peppers

“Smell the Roses” de Roger Waters

"O quizás simplemente le regale una Rosa" de Leonardo Favio

“Rosas Rojas para una Dama Triste” de Ray Conniff

“Dos rosas” de Julio Jaramillo y Olimpo Cárdenas

“Una Rosa Es una Rosa” de Mecano

“Rosa... Rosa” de Sandro “Rosa, Rosa tan maravillosa, como blanca diosa, como Flor hermosa… Rosa, Rosa dame de tu boca”

 "Una Rosa pintada de azul es un motivo". Esa canción del venezolano Italo Pizzolante pero que muchos creen, que es de Vicente Fernandez o de Armando Manzanero

“Ella y yo”. “Como el perfume, como la Rosa, así era ella; como lo triste, como la lágrima, así soy yo” de la canción de Oscar Hernández

“Marta”, de Moisés Simons. “Marta, capullito de rosa; Marta, del jardín linda flor”.

¿Llegaste a ver la película, Días de Vino y Rosas de Blake Edwards con Jack Lemmon?

¿Sabes que regalar una Rosa roja, simboliza amor eterno, pasión y fuego?.

De niño vi una Rosa de color negro, lo podría jurar.

En la Lotería Mexicana el número 41, le toca a La Rosa. Rosa, Rosita, Rosaura, Rosita se ha de llamar.

El escritor Gabriel García Márquez, decía. "Mientras haya Rosas amarillas nada malo puede ocurrirme. Para estar seguro necesito tener Rosas amarillas o estar rodeado de mujeres… Ja, ja, ja, ja. Mas nada pues. A mí no me gustan las Rosas amarillas.

Bueno, amo las Flores silvestres, ahí, sin arrancarlas, son una maravilla, hay cientos de ellas y unas más bellas que las otras.

Los Tulipanes… Se que son de Holanda y que me enamoré de ellos, cuando los vi sembrados por todas partes, cuando fui a Chicago.

Las Orquideas, porque son rarísimas, hermosas y amazónicas. Me parecen extraterrestres, como los pulpos.

“La Flor de la canela” ese vals peruano de Chabuca Granda​

Eusebio Delfín Figueroa canta. “En el tronco de un árbol una niña, grabó su nombre henchido de placer y el árbol conmovido allá en su seno, a la niña una Flor dejó caer”.

Los Girasoles, me gustan, lógicamente porque me los presentó Van Gogh. De hecho, cuando veo un Girasol, pienso de inmediato en Vicent.

También está, esa estupenda película italiana, Los Girasoles de Rusia dirigida por Vittorio De Sica y ese paisaje en el film, “Todo está iluminado”, una casa rodeada de cientos de Girasoles y de objetos que esperan ser reencontrados.

Flores en el ático (Flowers in the Attic) esa novela escrita por V. C. Andrews y una película dirigida por Deborah Chow… Que da miedo.

¿Recuerdas el gran campo de Tulipanes que aparecían en la primera escena de Blue Velvet?

Sandra abre la ventana y se encuentra un campo infinito de cientos de Narcisos, en el medio está Edward esperando para declararle su amor, en el film, Big Fish de Tim Burton.

Las Flores, esas raras y enormes que pintó Andy Warhol. "Flores" es una obra de Andy partiendo de una fotografía que hizo la fotógrafa Patricia Caulfield. Warhol basó esta serie completa partiendo de esa foto, que alteró para crear una que le agradara más. La foto de Caulfield, fue publicada en 1964 en la revista "Modern Photography", muestra una variedad no identificada del Hibisco. La Mandrinette o Hibiscus fragilis. Warhol la recortó de esa revista y la llevó a la pintura, luego la autora de esa foto, lo demandó. Warhol solo respondería “Um, no” y “Um, sí”.

Giuseppe Arcimboldo, pinta “La Primavera”, de la serie Las cuatro estaciones, el artista aprovecha las flores para modelar la cabeza y el torso del personaje.

Me gustan las Margaritas, porque a mi mamá les gustaban y cantaba una canción sobre ellas, que se aprendió de Gardel. (Blancas Margaritas, que hoy deshojo aquí. Díganme si, triste hoy también deshoja las que yo le di)

Quizás mis flores preferidas sean “Las Aves del Paraíso” las Strelitzia Reginae… así como también el Bastón de Emperador, ambas amazónicas.

Los Nenufares me gustan, flotando en enormes hojas sobre las tranquilas aguas de un lago o un charco… Si, ya se, también los amaba Claude Monet.

Aquí en México, he conocido y apreciado a esas Flores amarillas llamadas Cempazuchitl. Reyna de las ofrendas del día de los muertos.

Las diminutas Flores de la Albahaca, esas me encantan.

Me gustan las “No” Flores, de las Cayenas, que tienen hojas de colores y uno cree que son los pétalos y también me gustan las Trinitarias.

Para tomar en un vaso de “aguas”, están las Flores de Jamaica y para comer, los Higos, que recién descubro que no son frutas si no, que son Flores, que vaina tan rara, el higo es una infrutescencia, el resultado de la fecundación de una inflorescencia compacta, así como también de la fecundación del óvulo de ciertas flores apocárpicas. Ja, ja, ja, ja ¿Cómo te quedó el ojo?

La Coliflor no me gusta, pero los Brócolis y las Alcachofas si… Oyeee también me gustan para comer los pétalos de Rosa y sobre todo las Flores de Calabaza, a la manera italiana y a la mexicana.

Casi olvidaba a la famosa Flor del Azafrán… Risotto al Azafrán, Hummmm.

Y las Flores de manzanilla, en infusión, para tranquilizarte y para acomodar los trastornos estomacales. Infuso di Fiori di camomilla

La escultura “Una Flor en el desierto” de Alejandro Otero

Floralis Genérica, la escultura de 20 metros en la Ciudad de Buenos Aires, del arquitecto argentino Eduardo Catalano. Los pétalos se abren de día y se cierran de noche.

Las pequeñas Flores blancas de los Naranjos y las de los Limoneros. ¿sabes qué es el Azahar y para qué sirve?

El significado “Bouquét” es “Ramo de Flores”. Existe una relación entre el olor de las Flores y el aroma de Bouquet

Se toma una Flor del ramo de la novia, del bouquet y se fija en la solapa izquierda del saco del novio, se pone en el ojal. Es símbolo de compromiso con la futura esposa.

¿La Flor de la Lavanda? ¿Algo más perfumado y mágico?

''Perfume de Gardenias” de la Sonora Santanera

“Capullito de Alelí” de La Sonora Santanera

Flores negras, de Sergio de D’ Karlo. “Flores negras del destino nos apartan sin piedad, pero el día vendrá en que seas para mí nomás, nomás...” En Venezuela la cantaba Felipe Pirela, cuando estaba con la orquesta de Billo´s Caracas Boys.

Los Alcatraces (Las Calas) que tanto pintaba y pintaba, Diego Rivera. Aparte de ser uno de los fundadores del Partido Comunista Mexicano y de casarse con Frida Kahlo, pintaba y pintaba Alcatraces.

La Flor del Cerezo esa Flor nacional de Japón, también me gusta. Sakura significa eso, Flor de Cerezo. ¿Leíste La Flor del cerezo/Memorias de una geisha, esa novela de Arthur Golden?

De pronto pensé en Les Fleurs du Mal (Las Flores del Mal) de Charles Baudelaire y al instante en el maestro Mario Abreu.

Hoy me enteré que en España se usa mucho la expresión "Tener una Flor en el culo" para designar que alguien tiene suerte. Uffffff

Las Flores de las plantas del género Antirrhinum al secarse dejan la vaina de la semilla en forma de calavera. Uy, uy.

El jardín de las Flores vivas que transitó Alicia en el país de las maravillas…Con Flores que hablaban y “El Lirio”, que trataba a Alicia como si ella fuese otra Flor. Y cantaban.Nos enseñan cosas bellas las Flores, de romances saben un sinfín, hay idilios y se habla de amores, en la fiesta del jardín”.

¿Recuerdan a “Flor”? el zorrillo, la mofeta, de la película Bambi, de Disney?

La película, Il Fiore delle Mile e una Notte de Pier Paolo Pasolini, me encantaría volver a ver ese film.

La Amapola, de la cual sacan el opio y la morfina. Recuerdo una campaña de United Colors of Benetton, que decía “Déjenla ser una flor”. En el Mago de Oz. Estaban Dorothy, el Hombre de Hojalata, el León, el Espantapájaros y el perro Totó en un enorme jardín de Amapolas tan rojas que su brillo enceguecía casi a Dorothy, ella no pudo resistir más, los ojos se le cerraron a pesar de todos sus esfuerzos, se olvidó de dónde estaba y cayó entre las Amapolas, profundamente dormida.

La canción Amapola de José M. Lacalle. Amapola, lindísima Amapola, no seas tan ingrata y ámame. Amapola, Amapola ¿Cómo puedes tú vivir tan sola?

¿Conoces la Flor del Araguaney? ¿Conoces la Flor del Apamate? ¿Conoces las Flores de las Jacarandas? ¿La Flor del Ceibo o Bucare, llamada Gallito?

De pronto pensé en el Flower Power de los hippies, a finales de los sesenta y principios de los setenta. Paz y Amor, Drogas, Sexo y Rock and Roll. Flores en los cañones de los fusiles de los policías. Si un día vas a San Francisco, no olvides ponerte flores en tu cabello”.  Esa canción de John Phillips de “The Mamas and The Papas”, cantada por Scott McKenzie.

Y el Flower Punk de Frank Zappa, con aquello de. Hey Punk, where you goin' with that Flower in your hand? ¿Adónde vas con esa Flor en la mano? Pues me voy a Frisco a unirme a una banda psicodélica

Los Rolling Stones tienen un álbum que llamaron Flowers, tienen también una canción titulada Dead Flowers. Pero además tienen otra canción llamada Dandelion (Diente de León) en donde los coros están realizados por, John Lennon y Paul Mc Cartney, apoyando a sus amigos, que acababan de salir de la cárcel. ¿Los chicos malos y los chicos buenos?

Los Talking Heads, También tienen una canción llamada “Nothing but the Flowers”, que está en el álbum, Naked, cuando David Byrne estaba investigando los ritmos latinos, junto a Johnny Pacheco, Willy Colon y Celia Cruz, para su próximo álbum, llamado Rei Momo.

Guns N' Roses, esa banda estadounidense de Hard Rock.

Para la portada del disco del Sargento Pimienta, se hizo una guitarra con Claveles sobre un jardín de supuestas plantas de marihuana, Flores multicolores y con Rosas rojas se leía en primer plano la palabra: “Beatles”.

De España recuerdo a la gran “Lola Flores” a quien tanto quería mi hermana Yraiza, y también a Sara Montiel con aquello de. “En Madrid aparecen las Violeteras. Que pregonando van, parecen golondrinas…”

Y ahí también va Pedro Infante cantando. “Si la vida es un jardín, las mujeres son las Flores, el hombre es el jardinero, que corta de las mejores”. Esa canción la conocí en la voz de Cuco Sanchez.

Al olor de la Flor cuando se abre la Flor se le olvida la Flor, nos cantaba Serrat,

Y las Flores de Bach, esas esencias naturales, extraídas de las flores y utilizadas para tratar diversas situaciones emocionales. 4 gotas debajo de la lengua, mágicas en verdad.

Esa Flor de plástico, en la solapa del payaso, que cuando te acercas, te lanza un chorro de agua en la cara. Very Funny

Creo que entre las cosas mas cursis que existen, están los floreros con flores de plástico. Las he visto también en los cementerios.

“Lei” es la palabra hawaiana que designa a una guirnalda de Flores… Elvis Presley aparece en algunas fotos con ella puesta en su cuello.

Hay también unas coronas para difuntos elaboradas con Flores frescas y naturales, también hacen cruces, que envían a los funerales.

¿Recuerdas el caballo del cuento de Aquiles Nazoa, que se alimentaba de jardines y estaba lleno por dentro de Flores, y como consecuencia de aquella alimentación lo que el caballo echaba por el culito eran Rosas?

 

 

 

 

viernes, noviembre 18, 2022

PIENSE, PENSAR ES LO MEJOR. CARLOS ZERPA

 


PIENSE, PENSAR ES LO MEJOR. CARLOS ZERPA

Por Costanza De Rogatis

Hacia finales de los años setenta, Carlos Zerpa es invitado a participar en la Primera exposición internacional de Art-Door en la ciudad de Recife, Brasil, por el artista brasileño de arte urbano y postal Paulo Bruscky. Art-Door –un juego de palabras entre billboard y outdoor (valla y exterior, respectivamente)– fue un proyecto ideado y convocado en 1978 por Bruscky y Daniel Santiago, concretado como muestra al aire libre en 1981, y ampliado posteriormente con una segunda edición en 1982. La propuesta, buscaba convertir el paisaje urbano de Recife en una extensa galería de arte, a través de las más de 180 intervenciones en vallas publicitarias realizadas por artistas participantes de 25 países del mundo. Contó con el apoyo de la alcaldía de la ciudad brasileña –a pesar de la dictadura militar– y requirió del permiso de la Policía Federal para su realización.

La estrategia del arte postal fue el móvil generador y posibilitador del proyecto, pues la invitación a los artistas, creada por Bruscky, fue enviada por correo a la red de contactos que trabajaban con Arte postal –entre ellos, Zerpa– registrados en su archivo personal, integrado por 3000 entradas. De igual modo, los artistas participantes expidieron sus propuestas por correspondencia, lo que convierte a esta iniciativa en un interesante proceso de cuestionamiento de los lugares de circulación de la obra de arte, no sólo porque de manera efectiva fue entregada a través del correo, sino porque estas piezas fueron instaladas en espacios de tránsito, fuera del circuito museístico, en dispositivos pensados para la comercialización de productos de consumo, las vallas, durante un período de control de la información, el régimen dictatorial.

Art-Door fue pues, una declaración de intenciones, al permitirle a la obra la libertad de circular y ocupar espacios tradicionalmente no vinculados con el arte, buscando contrarrestar la prisa en el consumo de imágenes, privilegiada por la publicidad, oponiendo a ella la lentitud de la contemplación o reflexión generada por el arte.

Carlos Zerpa participó con la propuesta Piense, pensar es lo mejor (1978), una intervención que retoma dos aspectos de las campañas publicitarias de Pepsi-Cola:  por una parte, el imagotipo del producto para la época, conservando el logotipo y cambiando el texto “Pepsi” por “Piense”, y por la otra, la frase “Pepsi es el sabor del amor” –slogan de algunos anuncios de finales de los setenta en Venezuela,–convertida en “pensar es lo mejor”. Haciendo uso del humor, Zerpa aborda nuevamente las estrategias iconoclastas empleadas en todos sus trabajos –contra la soberanía de la imaginería religiosa o las figuras patrióticas– y que en este caso se dirigen a cuestionar el embelesamiento producido por los productos de consumo masivos y los mensajes utilizados por la publicidad para su comercialización. Un llamado al despertar de la razón frente al adormecimiento ejercido por las “dulces” estrategias del mercado.

El logotipo intervenido junto a la frase Piense…, sería convertido posteriormente por el artista en un sello de goma para estampar con tinta morada, que utilizaría en diversas piezas de arte postal y xerox art.

Zerpa responde a una segunda convocatoria de Paulo Bruscky para una de las ediciones posteriores de Art-Door en Recife, (una exposición que sin embargo no llega a concretarse), con la pieza La carnada, en la que un pez pavón ingiere una botella de gaseosa.

Carlos Zerpa articula Piense… como un homenaje a su amigo, el artista colombiano Antonio Caro, reinterpretando las célebres obras en las que la tipografía de la marca Coca-Cola, fue empleada para escribir el nombre Colombia sobre diversos soportes alusivos a banderas, en un cuestionamiento de la influencia económica y cultural de la maquinaria estadounidense sobre el país neogranadino.

Como rastro sugestivo y premonitorio de estas iniciativas de intervención urbana para Art-Door –pero también de aquellas futuras– una fotografía del archivo personal del joven Zerpa, aparece hoy reinsertada en su archivo de artista. La imagen de un adolescente sentado en el banco de una calle, mientras revela los dibujos sobre el respaldar: una mujer desnuda; un hombre sentado en un inodoro; personajes variados vinculados al mundo del rock. Algunas intervenciones ulteriores con tinta, dibujan símbolos de paz sobre el muchacho y los personajes. En la cara posterior de la imagen, se lee una dedicatoria: “Salomón Arráez. Banco pintado por Carlos Zerpa: la mano del genio pintor se posa sobre su gran obra; es la del reloj. 28-12-69”.


miércoles, octubre 12, 2022

MIL GRACIAS MARGARITA.

 

MIL GRACIAS MARGARITA.
Le agradezco a mi amiga, Margarita D`Amico por el apoyo que desinteresadamente, siempre me dio para poder realizar mis primeras Acciones, Performances y Video-Performances en Caracas y luego en Nueva York.
Grande entre las grandes, Comunicadora social, Videasta, Investigadora, Hada, Maga, Historiadora y Periodista de Vanguardia que reseñó en la prensa nacional e internacional,  todo lo que pasaba en arte conceptual aquí en Venezuela y en el mundo, co-autora, madrina y pionera del Arte Conceptual, del Video Art y de los Video-Performances en Venezuela, Creadora de los eventos internacionales de Video Art y de Video-Performances para el festival de Caracas – Venezuela y parte del staff de los festivales internacionales de Avant Garde de New York con Charlotte Moorman… 
En realidad, todo el arte NO convencional en Venezuela le debe muchiiiisiiimooo a la visionaria Margarita D`Amico. 
MIL GRACIAS MARGARITA.

Ángel Vivas Arias, Margarita D`Amico y Carlos Zerpa, en la plaza de la urbanización Los Sauces de Valencia, Venezuela en los 80s

domingo, octubre 02, 2022

Versión libre - Sucesos en la Colección MAMM

 



Estoy participando en está exposición
Versión libre
Sucesos en la Colección MAMM
Museo de Arte Moderno de Medellín.
La noción de patrimonio cultural y artístico es conflictiva como bien tangible e intangible que se conserva y se transmite por su valor de una generación a otra. Lo anterior se debe a que los conceptos de arte y cultura son dinámicos: responden a épocas y contextos sociales específicos. Además, términos como tradición, historia, identidad y herencia, por ejemplo, ligados a un patrimonio –en este caso del Museo– determinan perfiles, organizaciones y procesos de conservación que limitan las obras de arte a objetos que deben permanecer estáticos, tanto en su materialidad como en su aparente servicio a la identidad cultural, la historia, la mercantilización y el turismo.
En ese sentido, revisar el acervo patrimonial del MAMM requiere analizar el entramado de valores que lo sustentan, tales como la originalidad por encima de la reproductibilidad, los múltiples usos o la importancia de creaciones elaboradas con tecnologías y materialidades que tienen como destino el desuso y el desvanecimiento, así como de obras que son la descripción y el registro de performances, acciones y gestos colectivos. ¿Cuáles son las prácticas de preservación y sentido? ¿Qué criterios priman al conformar una colección? ¿Con qué condiciones y recursos debe contar un museo enfocado en arte contemporáneo para conservar y exhibir un patrimonio que dé pistas sobre el pasado a la vez que permita la interlocución con las variantes públicas?
Con estos interrogantes Versión libre. Sucesos en la Colección MAMM es una muestra que revisa y actualiza los significados del acervo del Museo, el cual se mira como un compendio de piezas con sentidos que cambian, se revitalizan y responden a diversas relaciones sociales. Esta lectura libre se aleja de la sacralización y el fetichismo del patrimonio, abarca procesos fenomenológicos más que demarcaciones históricas y considera las obras artísticas como fuentes de análisis de la cultura, del mercado del arte y de los criterios de valor artístico y patrimonial que tiene el Museo, para determinar qué incluye y qué no en la colección.
La exposición se desliga de la idea de que la historia es continua y opta por un diálogo entre las obras de la colección y sucesos, una categoría abierta y flexible, que es frecuente en los periódicos para nombrar noticias inclasificables. La muestra se divide en cuatro sucesos que son relevantes en la memoria del museo y del país, a la vez que expone la problemática sobre la idea de patrimonio y entra en diálogo con las obras de 56 artistas de la colección y 4 artistas invitados que actualizan cada uno de ellos.
El primer suceso, Sobre el papel, revisa el origen y crecimiento de la colección del MAMM, que comenzó en 1978 con un grupo de obras donadas por artistas fundadores dos años antes de contar con un espacio físico. Así, el Museo en sus inicios, no tuvo un espacio expositivo, pero sí una colección que lo respaldaba. Alrededor de este suceso se reúnen piezas que fueron el resultado de gestiones institucionales y de la generosidad de artistas y colaboradores, con materialidades diversas: algunas que amenazan con desaparecer y otras que, paradójicamente respecto al origen de la colección, se han convertido en un reto para el almacenamiento, la conservación y la exhibición por el espacio y cuidado que requieren.
No objetualismo cuestiona el valor de la materialidad en el arte y señala cómo una acción o su registro pueden adquirir el estatus de arte. El no-objetualismo es un concepto acuñado por el curador peruano Juan Acha, director del 1.er Coloquio de Arte no Objetual y Arte Urbano, un encuentro de alta relevancia que tuvo lugar en el MAMM en 1981. Este evento, que mostró un arte latinoamericano particular desligado del hiperconsumo y el coleccionismo, le dejó al Museo registros fotográficos y archivos que no constituyen una obra de arte en sí, pero que al ser piezas únicas de acciones efímeras deben ser custodiadas como tales.
Lo que quedó tiene como epicentro el atentado del que fue víctima el MAMM en 1989, cuando una bomba dañó parte de sus instalaciones, suceso que situó al Museo en el marco de las violencias sociales y políticas de la década de los ochenta y principios de los noventa en Medellín. En este suceso se reflexiona sobre lo que se conserva y lo que se destruye, la historia que se olvida, se recuerda y se cuestiona en la obra de artistas de la colección. Por último, Los excluidos reúne obras y artistas que fueron marginados de algunas esferas del arte o que, por el contrario, alcanzaron reconocimiento debido a la crudeza con la que denunciaron temas juzgados socialmente o resaltaron personajes invisibilizados. En este suceso, se cuestionan las jerarquías y los consensos sociales que confieren o quitan legitimidad al arte.






sábado, octubre 01, 2022

Presentación del Libro: "Y en esta esquina... El Dragón Chino

 

Presentación del Libro: "Y en esta esquina... El Dragón Chino. Cuando la Lucha Libre era de verdad verdad."




Con gran orgullo presentamos paginas de la presentación del libro: "Y en esta esquina... El Dragón Chino. Cuando la Lucha Libre era de verdad verdad." escrito por Carlos Zerpa. 



En la foto: Agustín Ramón Carrillo, Cronista. Gavilán, Luchador. Rebelde Pérez, Luchador. Chang Lee, Luchador. Gran Mujíca, Luchador. El Esbirro Mascarado, Luchador. Cicodelico, Luchador y Mau Mau, Luchador.




martes, agosto 23, 2022

La 10ª Bienal do Mercosul y mi Anaconda de vinilos

 La 10ª Bienal do Mercosul y mi Anaconda de vinilos

bienalmercosul

La 10ª Bienal do Mercosul quería retomar su vocación histórica de priorizar nuevamente a arte producido en los países de América Latina. Una plataforma curatorial busca promover la visibilidad, la legibilidad y la recepción de la producción artística de estos países a través de una exposición de gran envergadura construida en torno a la producción más relevante de esta región.

La exposición pretendía abordar un número considerable de “puntos ciegos” dejados por la crítica y la historiografía, sacando a la superficie obras cuya aportación artística aún no había recibido la merecida consideración crítica.

En este #tbt sobre la 10ª Bienal del Mercosur, recordamos algunos trabajos que formaron parte de esta edición:

Carlos Zerpa, Anaconda

Hélio Oiticica, Tropicália

Lygia Clark, Cabeça Coletiva

Wesley Duke Lee, O Helicóptero

Alfredo Jaar, Un logo para América

 


Carlos Zerpa

Mi Anaconda de vinilos, de 20 metros de largo, estará participando en el Memorial da Bienal, una exposición paralela a la 13ª Bienal del Mercosur, que tendrá lugar en Oporto Alegre entre el 15 de septiembre y el 20 de noviembre de 2022

Entra aqui.

https://www.instagram.com/p/ChH6Ak7O6HJ/?igshid=YmMyMTA2M2Y=



A mi alrededor

A mi alrededor

Carlos Zerpa

Una mujer desnuda, que utilizaba su largo cabello como vestido

Un niño que no usaba letras al escribir, solo números

Un hombre con un cuchillito pequeño, igual al que usaba Peter Pan

Uno que no tenía parpados, por eso siempre andaba con anteojos de sol

Se dio el caso de uno, que podía estar en dos lugares al mismo tiempo

Las personas que no tenían ombligo eran perseguidas e investigadas

La membrana interdigital era de lo más común

El que entraba a ese cuarto, de inmediato le era revelado, quien fue en su vida anterior

Todos sin excepción, nacían sin dientes en ese planeta

De hecho, todas las personas tenían cola, cual jaguares

Los tacones de ella eran pistolas

A un hombre le cortaron un dedo y le creció de nuevo

Otro hombre tenía un pasado negro, en verdad turbio

Una mujer que puede respirar bajo del agua

Una puerta que en verdad es un portal

Una persona que viaja en el tiempo

Me doy cuenta que un tipo que se cortó con un sacacorchos, al abrir una botella de vino, esto pasó en la mesa de al lado, tenía la sangre de color blanco cual leche, pero la disimuló vertiendo vino tinto sobre su dedo.

Y ya... no les sigo hablando de esto, porque sé que tienen miedo

domingo, agosto 21, 2022

Entrevista con Carlos Zerpa: Performance para cine (II) Realizada por Isabel Arredondo.

 





Entrevista con Carlos Zerpa: Performance para cine (II)

Realizada por Isabel Arredondo. 

Dept. of Modern Languages and Cultures

SUNY Plattsburgh, EE.UU.

Año 2013.

El artista plástico y performancista Carlos Zerpa habla en esta entrevista sobre la película Über Carlos, en la que él hace un performance para cine en súper 8 Además, la entrevista incluye una reflexión personal sobre el performance, hace referencia a la relación del cine con la pintura y el arte no-objetual, al sadomasoquismo y a la música para súper 8. En 1981 Zerpa forma parte de importantes muestras, como la XVI Bienal de Sao Paulo y la IV Bienal de Medellín, Colombia. Entre 1982 y 1984, se establece en Estados Unidos y cursa estudios de técnicas gráficas en el Arts Student League de Nueva York. En 1985 la muestra Grrr en el Museo de Bellas Artes de Caracas consagra a Zerpa como uno de los grandes exponentes de la plástica venezolana de la década de los ochenta. En esa muestra utiliza la violencia como temática principal, reflejando la influencia del ambiente neoyorquino en su obra, conjugando armas blancas, antijoyas, dibujos, esculturas, instalaciones y ensamblajes en espacios que el mismo artista recrea.

Entrevista

Isabel Arredondo: ¿Cuál es la historia del performance en Venezuela?

Carlos Zerpa: Antes de Armando Reverón (1989-1954) están los chamanes yanomamis y panares con sus rituales ancestrales, hermosísimos. Un performance art y un ritual chamánico se emparentan de tal manera que tú no sabrías diferenciar uno del otro en cuanto a la pureza de la acción, a lo que tú estás mostrando con tus acciones. Hay un paralelo tan grande entre lo que los chamanes hacen y el performance art, que, si tú lo sacas de su lugar y lo pones en un museo, a todo el mundo se le case la quijada de ver lo que está sucediendo. Es algo real para ellos; lo están haciendo como una manifestación cultural.

IA: ¿Hasta qué punto el chamanismo es un ritual, como la misa?

CZ: Cuando un chamán hace su ceremonia y su ritual, hay palabras e invocaciones que se mantienen, pero todo es en base a la problemática del momento, a lo que está sucediendo. El ritual chamánico está muy ligado a los enemigos, las curaciones, las enfermedades. Los caribes tenían prácticas muy ligadas a los aztecas: tomar sangre de enemigo, las vestimentas . . . Eso les emparenta mucho con el mundo del performance art. Cuando tú vas a un sanador, él lo personaliza y aunque vaya a trabajar huesos, por ejemplo, todo se hace en base al momento; es decir, no es una repetición exacta de un acto anterior.

IA: Si es así, ¿qué está pretendiendo hacer el performance?

CZ: El performance está ligado a una sanación, a un acto de guerra. Está estrechamente ligado a la vida misma; si no, no es performance, es otra manifestación de arte, pero no es performance. Y es ahí donde yo encuentro una relación estrecha con los rituales étnicos.

IA: ¿Y Reverón?

CZ: Aparte de haber sido un gran pintor, fue un instalador. Hizo el mejor arte de ensamblajes que tiene este país: sus propios teléfonos, su propio piano, escultura blanda con sus muñecas y esculturas con alambres. Además, creó un ritual para ponerse a pintar. Era muy religioso; intentaba separar la parte pecaminosa –que era del ombligo hacia abajo–, de la parte pura –que era del ombligo hacia arriba. Se ataba la cintura y se cubría los brazos para que su piel no tuviese contacto directo con la pintura. Lo que él hacía al pintar estaba muy ligado al performance art, antes de que esto se llamase performance art. Los performances de Nikolas Ferdinandov (1886-1925) y de él son fabulosos: ¡meter un piano de cola al cementerio para tocar a medianoche! ¿Qué estamos haciendo, amigo? Estamos haciendo performance art. Pintar un pato de amarillo, azul y rojo y lanzarlo a que vuele... De allí venimos todos los performancistas de este país.

IA: ¿Cuál es la diferencia entre el performance y el teatro?

CZ: El performance no es teatro, esa es la premisa. El performancista no es un actor, ni interpreta a un personaje como lo hace un actor, ni actúa como lo hace un actor. El accionista es él mismo y continúa siendo el mismo; nunca busca caminos fuera de sí mismo, sino que sigue el camino verdadero, sin máscaras, el camino hacia dentro de sí mismo (que es en realidad el verdadero y único camino). Dentro del performance puede existir un guion a seguir, pero también el accionista puede improvisar de una manera muy espontánea, puede trabajar solo, pero también en grupo. Nunca se disfraza, sino que utiliza un vestuario real y acorde a la acción a presentar, escogiéndolo tal cual como escoge su propia ropa. No trabaja con escenografías sino con el espacio arquitectónico o natural, utilizando ambientaciones, ensamblajes, objetos e instalaciones. Puede trabajar con gestos, movimientos, música, monólogos, diálogos, cantos, danzas y un largo etcétera. Si tiene que vomitar pues vomita de verdad; si tiene que sangrar pues se corta y sangra, jamás utilizará ketchup como sangre; y si tiene que beber hasta emborracharse pues lo hará. Jamás tomará agua con un toque de café para que parezca whisky o kool-aid de uva como si se tratara de vino tinto, para hacer parecer que ingiere bebidas alcohólicas y luego fingiría su ebriedad, porque no se trata de fingir ni de hacer teatro.

IA: ¿Cuál fue tu impresión cuando participaste en 1979 en el Festival de Video de Margarita D'Amico y en Acciones frente a la plaza en 1981? (1)

CZ: Felicidad de poder participar en estos eventos de muy alto nivel, los cuales iban a ser presenciados por muchísima gente y que tendrían mucha repercusión.

IA: ¿Sentiste que eras parte de un grupo que trabajaba junto y tenía un grupo de preocupaciones similares?

CZ: La idea era ser hermanos y cómplices de estas propuestas no convencionales que hoy en día muchos realizan y son aceptadas y reconocidas. Digamos que no estábamos equivocados en lo que proponíamos.

IA: ¿Qué relación existe entre el performance art y el arte no-convencional?

CZ: Las personas que estábamos metidos dentro del mundo del súper 8, a la vez estábamos ligados al performance art, a las instalaciones, al nuevo arte. El movimiento de arte no-objetual fue importante en México, pienso en Felipe Ehrenverg, en Adolfo Patiño y en gente como en el grupo No-Grupo, que estuvo muy ligado al performance, a las instalaciones y al cine súper 8. Te hablo de Maris Bustamante, Melquiades Herrera, Alfredo Nuñez y Rubén Valencia (2)

IA: ¿Cómo surge Über Carlos?

CZ: No fue una película que se hizo para viajar, sino para la exposición Grrr.

IA: Un tema importante en la exposición era la

violencia. Háblame de tu interés en las armas, que es parte de la exposición para la que hiciste Über Carlos (3)

CZ: Te voy a leer lo que escribí sobre la violencia (4)

. "Todos en la ciudad andan armados; todos tienen pistolas, revólveres, cuchillos, navajas y ametralladoras. Gas y plomo. . . gas y plomo. . . El pasillo se llena de voces: herida punzopenetrante con objeto punzopenetrante. Lo chuziaron . . . medio chuzo. La manopla. La puya. El tajo. La automática. La pico e’ loro. El cola e’ gallo. La blanca cacha e’ nácar. Fue en defensa personal. Plan de machete. Le volaron los sesos a rolazos. Le aplastaron el cráneo. Lo atropellaron. Lo molieron a golpes. Le trituraron los huesos. Fractura de cráneo. Fue a quemarropa. Traumatismo generalizado. Todos en la ciudad extienden sus manos para tomar objetos de uso diario que se convierten en armas, que no es pistola, que no es espada, que no es daga. El cinturón de cuero que sostiene el pantalón se convierte en arma, símbolo de castigo. El rodillo para la masa en manos de la mujer que aguarda al marido que llega tarde se hace arma contundente. Las tijeras de costura cortan y se clavan. El paraguas golpea y se clava. Una botella de vino se quiebra y se clava. Una hoja de afeitar que corta venas. La navaja de barbería que abre carnes. La navaja para injertos de plantas abre vientres. Un punzón de picar hielo penetra profundamente. El cuchillo de carnicería. El hacha para la leña. El machete del campesino. La hoz del labriego. El martillo del herrero. La hoz y el martillo juntos. El bate de baseball. El zapato. La escoba. La pata de la mesa. El candelabro. Las frutas y vegetales lanzados con rabia. La rabia, la rabia, la rabia es un arma. La tachuela, el chinche, la puntilla y el clavo puestos en el pupitre o silla del profesor que se sienta. La piedra. El palo. La piedra y el palo juntos. El automóvil. El fuego. La estaca de madera en el corazón del vampiro. La estaca de bambú de las trampas vietnamitas. La mano empuña el arma con una intención... luego vienen las excusas. El castigo, la venganza, la pena, las aberraciones, la tortura, la tortura, la tortura. Las pinzas para sujetar la ropa limpia se convierten en armas que aprisionan los pezones y pellizcan. El alfiler se clava repetidamente. El yesquero y la caja de fósforos. El cigarrillo encendido. El vidrio molido. La plancha eléctrica. El bombillo caliente que quema. La luz intensa del bombillo que hace confesar cosas que no se han hecho. La electricidad. La sal. La arena. Las pinzas, alicates, tijeras y cortaúñas. El pañuelo como mordaza. El martillo del juez que golpea la mesa del estrado dictando juicios se torna en arma. El martillo del herrero que destroza cráneos es arma. La pastilla. El veneno. Los colmillos. La cuerda que sujeta, amarra y ahorca. Todo absolutamente, todo es arma, extensión de la mano, extensión de la intención. Armas para ofender o defenderse, armas. Surgen la silla eléctrica, la cámara de gas, la guillotina, la horca, la cruz, los hornos crematorios. La mano toma el alimento y lo lleva a la boca, la mano acaricia, la mano señala. Surgen los objetos como extensión de la mano. Pero es la intención del hombre la que determina el uso final de los objetos y la mano. La mano abierta da una bofetada. La mano abierta golpea, castigando las nalgas de un niño travieso. La mano cerrada da golpes contundentes y agrede. La mano se une al cuerpo como arma. Surgen: la patada, el cabezazo, el codazo, el rodillazo, el pellizco, el puñetazo, el mordisco, el estrangulamiento, el arañazo, él. . . Los órganos sexuales como arma. La mirada como arma. La lágrima como arma. La prensa amarilla narra el caso de una madre que atormentada por el llanto de su hija la mata, clavándole repetidamente un tenedor en la cabeza. Cuentan que el uso del silicio se ha generalizado para toda la población. Cuentan que algunos utilizan pulseras con clavos que les destrozan las muñecas. Gargantillas y collares hechos de hojillas y navajas de afeitar son usados por otros. Cuentan que algunos llevan clavados alfileres en el cuerpo y piedras dentro de los zapatos. Cuentan que hay perversiones. Cuentan que hay sodomitas infiltrados. Cuentan que a la emoción sexual que va asociada al deseo de causar dolor y usar la violencia, la han llamado sadismo a causa de Donatien Alphonse François (el Marqués de Sade). Cuentan que el deseo de ser tratado brutalmente, humillado y maltratado lo han llamado masoquismo a causa del escritor Sacher Masoch. Cuentan que ahí la mayoría son sadomasoquistas. Cuentan que hay quienes aseguran que todos en una medida somos sadomasoquistas. Cuentan que los ejércitos están divididos. Cuentan que a final de cuentas lo único seguro en esta vida es la muerte”. Yo por mi parte a pesar de mis contradicciones, simpatizo con la vida y lucho por ella, y con ella con todos los hierros, a pesar de la muerte.

IA: ¿Cómo era la exposición Grrr?

CZ: El curador era Luís Ángel Duque, y había una especie de acuarios en los que estaban unos brazos intervenidos con objetos en sus manos. Muchas pinturas y dibujos con armas blancas, tres instalaciones y una gran ala que en vez de plumas tenía cuchillos afilados. Diego Rísquez me ayudó en el montaje de la exposición. Éramos como una pequeña hermandad, nos ayudábamos.

IA: ¿Cómo surgió Über Carlos?

CZ: En 1985, cuando estaba armando Grrr en Caracas, en el Museo de Bellas Artes, me dijeron que hiciera un video en el que hablara de mi obra, y me pareció

aburridísimo. Yo dije, está bien, pero yo mismo lo voy a hacer, va a ser una anti-presentación. Al entrar en la exposición, había una pantalla grande y allí se veía Über Carlos. Cuando se acabó la exposición, la única copia en súper 8 que se hizo se presentó a festivales, empezando por el Festival Internacional del Nuevo Cine Súper 8 en Caracas (1986). Además, Carlos Castillo, que era el director del festival en 1986, llevó la película a otros festivales internacionales de súper 8, Montreal, Puerto Rico. La película viajó mucho en súper 8, luego se pasó a Betamax y después a DVD6. Se ganó el premio del festival de cine Super 8 en Caracas y el de Montreal/Canada.

IA: ¿Quién dirigió Über Carlos?

CZ: Victor Cadet fue el director (6). Es un amigo que viene del teatro y de ser locutor de radio e hizo una película que también incursionaba en el cine, hizo un film que se llamó Puntos Suspensivos (1981). Es muy bueno con la cámara, y yo decidí hacer un performance para la cámara, pero muy dentro de la onda del cine, que fuese más cine que performance. La diferencia es que en el performance yo hago la acción, y esa es la acción. En el cine, hay varias tomas, varias cámaras a la vez y hay una edición para hacerla más cine.

IA: ¿De qué trata Über Carlos?

CZ: Cuando estaba en Nueva York, yo acostumbraba llevar diarios en los que escribía muchas cosas. Nos sentamos Victor y yo a leer todo eso y a armar ese personaje: un tipo vestido de negro que lleva una automática, que no es otro que el performance clave de Ceremonia con armas blancas (1985) Über Carlos es casi una autobiografía de mi vida cuando estaba viviendo en Nueva York en 1984, de ahí el título de la película; Über Carlos quiere decir acerca de Carlos en alemán. En la película me levanto a las 11 de la mañana, y me quito el antifaz antiluz, porque me he acostado en la madrugada, después de haber bebido más de veinte Martinis Dry. Me tomo dos Alka Seltzers mientras la canción de Klaus Nomi "I can't stop myself" me da vueltas en la cabeza. No puedo pararme a mí mismo; los pensamientos giran a mucha velocidad en mi cabeza y siento enloquecer (7) Luego me trago, de golpe, dos amarillas de huevo crudas y pongo un disco de vinilo con una portada de Virginia López. Selecciono lacanción "Azul, pintado de azul".

IA: Háblame de la música en Über Carlos.

CZ: El video-arte y el súper 8 están relacionados. Gracias al video-arte, se crea el video clip. MTV comienza haciendo video con pensamientos de cine en función de una música, creando imágenes para la música. En Über Carlos se puede ver la música acoplada a la imagen. En los ochenta acoplar la música a la imagen era una locura porque iban a tiempos distintos; tenías que sincronizar el sonido, que estaba en tiempo real, con la imagen que iba a otra velocidad. Hoy en día la tecnología facilita las cosas.

IA: ¿De quién es la canción en la escena en la que Carlos está pintándose?

CZ: Es un disco cantado por Virginia López que perteneció a mi padre y que me acompañó durante mi niñez. La versión original, en italiano, es de Domenico Modugno. En la película, cuando Virginia López dice: "yo me pintaba las manos y la cara de azul", yo la imito: me pinto la cara y las manos de azul (8)

IA: ¿Tienen estos colores con los que se pinta Carlos un significado simbólico?

CZ: La idea de que el azul representa el cielo, el amarillo al oro y el rojo la sangre no es algo importante en este momento. Los colores son colores y sí, son importantes; no es lo mismo pintarse policromo que pintarse de negro. Son colores puros, tomados directamente del tubo.

IA: ¿Por qué se pone Carlos la pintura en el cuerpo, primero en la mano, luego en la cara, después en el torso?

CZ: Porque lo hace en la vida real, y en este film quería enfatizar "El cuerpo como lienzo". Recuerdo a un cuate al cual le pidieron que pintara su autorretrato, que se pintara a sí mismo. El hombre abrió los botes de pintura y con sus propias manos se untó la cara, la cabeza y el cuello. Recuerdo su fotografía, donde él estaba con su cabeza toda pintada de verde. Después de muchos años lo vi en una esquina, en una escalera del "Supermercado Doni", en la urbanización los Sauces de Valencia, él estaba pintándose todo el cuerpo desnudo, utilizando crema para lustrar calzado, con betún para zapatos. Al verlo, pensé que le había gustado mucho la idea de pintarse a sí mismo, y me di cuenta de que pintarse uno mismo es como desnudarse.

IA: Reverón se separaba de la pintura para no tocarla; en cambio, Carlos pinta directamente del tubo con las manos, ¿por qué?

CZ: El sentido del tacto hace el pintar directamente más sensual. Es una acción directa; al poner el color en la mano y sobar la tela dejas el rastro con el color. El contacto de la pintura con los dedos y la mano sobre la tela la hacen mucho más corporal, más gestual. El tocar es importante; los dedos y las manos son partes del cuerpo, y el pincel es una extensión, un intermediario. La pintura es un todo, la pintura es parte del performance. En la película, la mano queda inmóvil y la mano derecha se aproxima a ella. Uno a uno los dedos de la mano se quiebran y se desprenden. Es de noche, y la mano húmeda, hecha una antorcha se quema.

IA: ¿Por qué esa escena con la mano que se prende en llamas?

CZ: Déjame que te cuente una historia, que yo denominaría un performance art íntimo que influyó la escena de la mano. Una noche, estaba cenando con unos amigos, incluyendo Victor Cadet y Violeta Minkovska, y vino una amiga de ellos, una mujer bella, muy bella, vestida completamente de cuero negro, seductora, toda fuego. A la amiga, la llamaré Margot, porque me recordaba a la canción en la voz de Felipe Pírela (1941-1972): "su nombre era Margot, llevaba traje azul y en su pecho colgaba una cruz… mar, ya no quiero a nadie, mar en su soledad, sé que cuando al puerto llegue un día esperándome estará... Margot". Al terminar la cena, todos pedimos unas copas de Sambuca, ese licor dulzón con sabor a anís que sirven en copas largas, con tres granos de café, y encendidas en una llama azul, típica de los alcoholes en combustión. Cuando íbamos a tomarnos las sambucas, me di cuenta que Margot se disponía a fumar. Rápidamente sumergí mi dedo en la sambuca encendida, convirtiéndolo en una antorcha, y con el dedo encendido, prendí el cigarrillo que ya estaba en la boca de Margot sólo para impresionarla. Luego nos reímos, y comentamos que esa imagen de un dedo encendido sería estupenda para utilizarla como escena en Über Carlos, que estábamos planificando Victor y yo. Sugerí que sería más impresionante si en vez de un dedo encendido, utilizáramos una mano entera prendida en fuego, una mano como antorcha. Esa era en verdad una imagen sumamente bella: "Una mano como antorcha". Margot me coqueteaba y yo me dejaba, y antes de partir quedamos en que me iría a visitar a mi casa-taller a las diez de la noche para ver mis pinturas. Tenía la idea de acostarme completamente desnudo con ella sobre mi cama forrada completamente de plástico Envoplast, luego cubrirnos el cuerpo mutuamente con muchísima vaselina y jugar a embadurnarnos más y más todo el cuerpo, resbalándonos, escurriéndonos, abrazándonos y zafándonos mientras hacíamos el amor. Ese era mi sueño erótico, y ya había comprado varios metros de plástico transparente grueso y ocho tarros de vaselina. Puse todos los tarros abiertos al lado de la cama y sobre la mesa de noche, forré toda la cama con el plástico y me fui a mi taller. Mientras la esperaba, empecé a pintar el cuadro que le quería mostrar: un tigre furioso que llevaba una rosa en su boca, y continué tomando vino tinto. Estaba escuchando a Deep Purple and The Royal Philarmonic Orchestra, dirigida por Malcom Arnold en el Royal Albert Hall en 1969, ese estupendo concierto de Jon Lord. Primer movimiento, moderato - allegro; segundo, andante; tercero, vivace -presto. Me iba tomando el Marqués del Riscal, mientras pintaba y así transcurrió el tiempo. Pasaron las nueve y las diez y las once, y Margot no llegaba. Estaba arrecho sabiendo que ella había faltado a su cita conmigo. El cuadro estaba terminado. Yo estaba cansado, sudando, borracho y lleno de pintura, así que me desnudé para darme un buen baño de agua tibia y para irme directo a la cama. De repente, me acordé de la mano en llamas de la que habíamos hablado Víctor y yo, y aprovechando que era luna llena, decidí probar cómo se vería. Apagué todas las luces de la casa, subí muy alto el volumen de la música, salí al patio, sumergí la mano en una olla llena de alcohol, y la encendí. La imagen era en verdad hermosísima: una mano que se elevaba al cielo envuelta en una llamarada azul, que tenía como fondo la luna llena. Me acordé de la canción del grupo Unión "Hombre lobo en París" y aullé (10). Al subir la mano en alto, el alcohol resbaló, me chorreó por el brazo y bajó por el cuerpo, convirtiéndome en tea humana. Corrí entonces hacia el baño, aullando como lobo y riéndome a carcajadas, y me metí rápido bajo la ducha para apagar las llamas. Luego quité el plástico de la cama y me fui a dormir. De mi amiga Margot no supe nunca más nada, y hasta me olvidé de ella. Sin embargo, una tarde me encontré con otra de las amigas de aquella noche y me contó que Margot había llegado tarde a la cita, llegó a eso de las once y media de la noche. Se encontró con la casa a oscuras y pensó que yo ya estaba dormido, pero me escuchó aullándole a la luna, así que se asomó por la ventana antes de tocar el timbre y observó con espanto como ese personaje con el que tenía una cita amorosa, ese posible amante, corría desnudo, manchado de pintura amarilla, roja, verde y azul, envuelto en llamas, aullando, y riéndose a carcajadas como si nada. Entonces ella, cautelosamente, se volvió a meter al carro, rezó un padre nuestro mientras se hacia la señal de la cruz, y aceleró a fondo. ¡Qué pajúa resultó ser la Margot, y yo que pensaba llenarle el cuerpo todo de vaselina, afeitarle las cejas y hacerle el amor sin quitarle los zapatos negros de tacón alto!

IA: En Über Carlos el performancista tiene una cita amorosa con una mujer vestida de negro.

CZ: Sí, en la película aparece una mujer desnuda, amordazada fuertemente con un pañuelo, amarrada a una silla con cuerdas blancas. Luego, Carlos saca una navaja, grande y afiladísima, y la clava en la silla ente sus piernas. Es torturada… pero a ella le gusta este juego sexual.

IA: ¿Cómo es el sadomasoquismo en Über Carlos?

CZ: Todos, en una medida u otra, somos sadomasoquistas; a todos nos gusta sufrir y hacer sufrir.

IA: Al principio de la película, cuando Carlos se levanta y se medio acuerda de lo que pasó la noche anterior, hay en su cara un esbozo de una sonrisa y gesto de horror ¿por qué?

CZ: Über Carlos es una mirada hacia adentro a través de los fantasmas femeninos. Carlos recuerda y le satisface lo que hizo la noche anterior. Está feliz de haberse atrevido a llevar a una mujer a su casa-taller, a seducirla, a amarrarla, a desnudarla, a cortarla, a aterrorizarla . . . y luego a liberarla.

IA: ¿Y entonces, por qué frunce el ceño Carlos al recordar la mujer amordazada?

CZ: Por los riesgos que implica el usar armas blancas afiladas. De hecho, la herida en la pierna en la película fue real, los amarres reales, la bofetada real, el mordisco en el cuello real. Esto es un performance, no es teatro. Todo en el film es real menos la muerte. Para que la película fuera un verdadero performance, a la mujer en el suelo tenía que haberla matado, pero no lo hice. No estoy preparado para quitarle la vida a un ser humano.

IA: ¿Existe una conexión entre el acto de pintar con el cuerpo y el sadomasoquismo de Carlos?

CZ: Sí, esa era la idea.

IA: ¿Son ambas sensaciones del cuerpo?

CZ: Y del espíritu, porque somos más que cuerpo.

IA: ¿Por qué relacionas la pintura con el dolor?

CZ: Porque el amor va unido al dolor, quien no llora no conoce el amor.

IA: Sí, estoy de acuerdo en cuanto al amor, pero en la escena de la que hablamos, la de la mano azul, no se trata de amor, sino de la pintura azul y el dolor.

CZ: Se trata de la mano del artista auto-mutilada, como si fuera la oreja de Van Gogh, pero aquí se trata de los dedos. El artista quiere ofrecer una parte del cuerpo como prueba de amor. Se trata de una imagen como provocación del acto que se convierte en imagen.

1 Para más información sobre este evento central del performance art venezolano, véase el libro de María Elena Ramos, Acciones Frente a la Plaza, Caracas: Fundarte, 1995. Accesible en línea http://accionesfrentealaplaza.blogspot.com.es/

2 Grupo de cuatro artistas que trabajó junto de 1977 a 1983. Defendían el arte conceptual y procesual.

3 En opinión de Carlos Yusti, en Grrr la violencia le sirve a Zerpa para patentizar el mundo desgarrado de la calle. La muestra conjuga cuchillos, navajas, antijoyas, dibujos, esculturas, instalaciones y ensamblajes donde la violencia gratuita y sin sentido tiene la palabra. . . No desaprovecha nada y todo adquiere en su trabajo una revaloración inusitada. Los simples cuchillos

de cocina, de ser objetos comunes y cotidianos, se trasmutan en una ala desplegada. Las balas se trasforman en una calavera. Las antijoyas llevan implícitas esa ferocidad de implacable belleza que al marqués de Sade sin duda habría fascinado”. http://www.letralia.com/ciudad/yusti/030430.htm

4 Esta descripción sobre la violencia apareció en Bondage Suspense, un proyecto de mail art del que se enviaron mil ejemplares por correo. Posteriormente, se publicó en la revista mexicana La Regla Rota, N° 2. También se repartió como volante en el performance de Zerpa Ese Bolero es mío, que tuvo lugar en el Espacio Alterno de la Galería de Arte Nacional en Caracas, en la muestra Autorretratos, en 1982

5 Über Carlos fue exhibida en muchos festivales, donde ganó premios. Primer Premio a la Mejor Película, XI Festival Internacional del Nuevo Cine Súper 8, Caracas, Venezuela, 1986; Primer Premio en el 7° Festival Internacional de Cine Súper 8, Montreal, Canadá, 1986; Primer Premio Fotografía, Concurso de Cortometrajes, Consejo Municipal del Distrito Federal, Caracas, Venezuela, 1986; Primer Premio Mejor Sonido, Concurso de Cortometrajes, Consejo Municipal del Distrito Federal, Caracas, Venezuela, 1986; Mejor Cortometraje de Ficción, IV Festival Nacional de Cine, Mérida, Venezuela, 1986; Primer Premio al Mejor Film Experimental, III Encuentro Nacional de Cine Súper 8, Maracay, Venezuela, 1986. Über Carlostambién se mostró en la 37° Edición de la Muestra Internacional de Cine, Montecatini, Italia, 1986; en la I Bienal de Videoarte, Medellín, Colombia, 1986 y en el III Encuentro de Cine Súper 8, San Juan, Puerto Rico, 1987.

6 En Über Carlos participan Carlos Zerpa, Víctor Cadet, Violeta Minkovska, Dummy y Rose Selavi.

7 La canción dice así: “Listen to me, baby, you got to understand/ you’re old enough to learn the makings of a man. /Listen to me, baby, it’s time to settle down. / Am I asking too much for you to stick around? Chorus: Every boy wants a girl he can trust to the very end/ Baby, that’s you, won’t you stay? But till then... when I see/ lips begging to be kissed, I can’t stop, I can’t stop myself!

8 Creo que un sueño así nunca más volverá /yo me pintaba la cara y las manos de azul, y de improviso el viento feliz me llevaba, /hacia la luna brillando en la noche encantada. CORO: Volare oh oh, cantaré oh oh oh oh, /Azul pintado, de azul/ Paseando entre nubes de tul. Y volando, volando cantando más alto en el cielo/ Más cerca del sol /Y la tierra más chica se hacía de un raro color/ Mas un ángel del cielo cantaba esta dulce canción.

9 La canción dice: “La luna llena sobre París/ ha transformado en hombre lobo a Denisse”.

Si quieres ver el film, UBER CARLOS (remast 2019) este es el link. https://vimeo.com/546163589



 Isabel Arredondo.

ZZ…En el arte definitivamente hay que atreverse, hay que participar de una subversión por la libertad total como dijo el querido maestro Frank Zappa…ZZ