Ese gigantesco Gorila llamado King Kong, amigo de Zappa.

 

Ese gigantesco Gorila llamado King Kong, amigo de Zappa.

He has been dubbed The Eighth Wonder of the World

Carlos Zerpa

 

1-    Todo comienza con la película "King Kong" de 1933, es una película clásica y hoy de culto) dirigida por Merican C. Cooper y Ernest Schoedsack. La historia trata sobre un equipo de filmación que navega hacia una isla misteriosa donde viven criaturas gigantescas. Allí capturan a un gorila gigante llamado King Kong y lo llevan a Nueva York para exhibirlo. El mono monstruoso escapa y destruye todo, hasta que se sube a la cima del Empire State Building, donde los aviones matan al animal.

 

2-    King Kong viene a ser como el Rey del Congo

 

3-    ¿Qué les pasó a todos los familiares de King Kong? ¿Esa especie se extinguió y solo quedó un solo gorila gigante?

 

4-    King Kong, se enamora de Ann Darrow, y por eso no la mata ni se la come. Ella es una chica de raza blanca, que sufre la Gran Depresión de los años 30'.

 

5-    Adolf Hitler, era fanático de King Kong, a pesar de esto, cuando la película fue llevada a Alemania, censuró algunas escenas que no iban de acuerdo a su mensaje ideológico y político.

 

6-    El famoso juego creado por Nintendo, Donkey Kong, se inspiró mucho en la película King Kong de Merian C. Cooper y Ernest Schoedsack. Universal los demandó por esta situación, pero perdió la demanda.

 

7-     King Kong es un animal gigantesco, un gorila gigantesco que posee una gran agilidad y la inteligencia propia de un simio, su gran fuerza y sus destructivos golpes lo vuelven un monstruo imparable cuando está enojado y tiene razón de estar enojado.

 

8-    Gargantúa Fue el verdadero King Kong. (1929-1949) fue un gorila de las tierras bajas, cautivo, que fue famoso en vida y salvó al circo de los hermanos Ringling de la bancarrota. Era gigantesco, llegaba hasta el techo.

 

9-    De King Kong y Gargantua se decía. "El gorila más grande jamás exhibido”, “La criatura viviente más aterradora del mundo”, “El gorila más grande y feroz jamás presentado ante los ojos del hombre civilizado”, “El único gorila adulto jamás visto en este continente".

 

10- Luego inventaron enfrentar a Godzilla contra King Kong… Ufffff

 

11- Frank Zappa, Amaba el film King Kong y tenía una fascinación por las películas clase B de terror de los años 50s, esto quedó claramente plasmado en su tema "Cheapnis", del álbum "Roxy & Elsewhere", del año 1974. Al comienzo de dicha canción, Zappa habla con la audiencia y les pregunta: ¿Les gustan las películas de monstruos? ¡A mí me encantan las películas de monstruos! Sencillamente adoro las películas de monstruos y cuanto más baratas son, mejores son.

 

12- Decía el propio Zappa, “King Kong era la historia de un gorila gigante que vivía en la selva, hasta que llegaron unos norteamericanos, se lo llevaron a Estados Unidos, ganaron mucho dinero con él y después lo mataron”.

 

13- Zappa compuso una pista instrumental titulada "King Kong" en 1967. La composición se convirtió rápidamente en un concierto y en un tema favorito de los fanáticos de Zappa, apareció en numerosas versiones diferentes en múltiples lanzamientos.

 

14- En el disco Uncle Meat, la podemos encontrar.                                                     "King Kong (As Played by the Mothers in a Studio)"

"King Kong (Its Magnificence as Interpreted by Dom DeWild)"        

“King Kong (As Motorhead Explains It)"

"King Kong (The Gardner Varieties)"     

“King Kong (As Played By 3 Deranged Good Humor Trucks)"         

"King Kong (Live on a Flat Bed Diesel in the Middle of a Race Track at a Miami Pop Festival...The Underwood Ramifications)"

 Las seis piezas que conforman el cuarto lado de Uncle Meat, de esta suite titulada “King Kong”, se inicia con un breve extracto que se funde con “King Kong II. No hay separación entre los temas de esta suite cuyas partes IV y VI suman un cuarto de hora de una desenfrenada descarga.

 

15- En el casino de Montreaux, en Suiza, se produjo un gran incendio y hubo que evacuar la sala. Justo en medio del solo de sintetizador de Don Preston tocando "King Kong". "Smoke On The Water" es una canción del grupo Deep Purple, inspirada en el incendio de Montreux en diciembre de 1971 y King Kong está detrás de todo esto.

 

16- Sobre la palma de la mano, del gigantesco gorila, King Kong el violinista a Jean Luc Ponty aparece vestido de color blanco tocando un violín, para su disco, King Kong, en donde aparece también la canción King Kong

 

17- Dice Zappa, de King Kong. Aquí está la habitación donde tus padres tienen que esconder tu vieja lata de galletas, gomas, zapatillas, collages, hebillas de cinturón y portadas de libros con el nombre de tu instituto bien impreso en rojo y oro en la portada con la foto de la portería y de la reina del año pasado. No entiendo, que coño, tiene que ver con King Kong, pero si Zappa lo dice. Ja, ja, ja.

 

18- King Kong" era uno de los temas originalmente, compuestos por Zappa, para Lumpy Gravy en 1966

 

19- Chester's Go-rilla, es nombrado en la canción, Florentine Pogen, cantada por Napoleon Murphy y de pronto detrás del baterista aparece un gorila. ¿King Kong?

 

20- King Kong. Aparece en ¡GRRR! un disco recopilatorio de la banda, The Rolling Stones y también en su video clip. Buen dibujo animado.

 

21- ¿King Kong es el gorila Ko Ko? Zappa dedicó su libro “The Real Frank Zappa Book” a Gail, The Kids, Stephen Hawking y a Ko-Ko. En la canción Broken Hearts Are For Assholes, también se menciona "Te deslumbraste con el nuevo y emocionante disfraz de Ko-Ko".

 

22- Hace 100,000 años, cuando el hombre ya habitaba la tierra, existía un enorme simio llamado Gigantopithecus, un enorme gorila que se convirtió en King Kong. Como ven, King Kong existio.

 

23- Las Guerrilla Girls, ese colectivo artístico anónimo de artistas feministas y antirracistas de Nueva York que aparecían, cubriendo sus rostros con máscaras de gorila, ¿eran herederas del gran King Kong?

 

24- Zappa tocó con su banda “The Mothers”, junto con Lennon y Yoko el tema King Kong, pero no lo incorporó a su disco original “Live at the Fillmore” debido a que ellos le habían robado ese tema a Zappa, y eso provocó mucho enojo en él.

 

25- El tema “King Kong”, que tocaron en ese jam en el Fillmore, aparece en el disco 2 del LP “Some Time in New York City” de Plastic Ono Band pero fue editado bajo el nombre de “Jamrag”, en el cual figuraban como compositores Lennon/Ono (cuando Zappa ya lo había editado en el disco “Uncle Meat” 3 años antes bajo su autoría).

 

26- Zappa en su biografía, dice. Lo malo es que hay una canción que yo escribí llamada “King Kong” que tocamos “The Mothers” junto a Lennon y Yoko, esa noche, y no sé si fue idea de Yoko o de John pero le cambiaron el nombre por “Jam Rag”, y se pusieron a sí mismos como compositores y editores, la pusieron en un álbum y nunca me pagaron ni me dieron los créditos. Obviamente no era una jam session, tenía una melodía, tenía una línea de bajo, es obviamente una canción organizada, es un poco decepcionante. Yo no he editado mi versión de las mezclas de esa noche

 

27- Frank Zappa publicó unos años más tarde, el disco Playground Psychotics, pero no aparece el nombre de King Kong, pone entonces otro nombre para una canción, en el listado "A Small Eternity with Yoko Ono" Ja, ja, ja, ja.

 

28- Tributos y álbumes de versiones

King Kong es tocado por, The Muffin Men: God Shave The Queen as track 2 I Want You Kong and track 7 Kashmir Kong, starting with Kashmir

King Kong es tocado por, The Wrong Object: Play Zappa as King Kong (George W. Bush version)

King Kong es tocado por, tocado por, Zappatistas: Live In Leeds

King Kong es tocado por, Colin Towns + NDR Bigband: Frank Zappa's Hot Licks (And Funny Smells)

King Kong es tocado por, Meridian Arts Ensemble: Ear Mind I

King Kong es tocado por, LeBocal: Oh No !  Just Another Frank Zappa Memorial Barbecue

King Kong es tocado por, Nasal Retentive Orchestra: Fric Out!

King Kong es tocado por, Various Artists: Sonora

 

29- Versiones de King Kong por Frank Zappa en otros discos.

Lumpy Gravy version

Tis The Season To Be Jelly version

Uncle Meat version 1

Uncle Meat version 3

Electric Aunt Jemima versión

Ahead Of Their Time version

Our Man In Nirvana version

The Ark version

Disconnected Synapses version

Swiss Cheese/Fire! version

You Can't Do That On Stage Anymore Vol. 3 version

Make A Jazz Noise Here version

Hammersmith Odeon version

Hammersmith Odeon (The Album)

The Roxy Performances version

Baby Snakes version

Out-Takes

Randolf Latuff y el robo del violín de la “Orquesta Nacional Juvenil”.

Randolf Latuff y el robo del violín de la “Orquesta Nacional Juvenil”.

Por. Carlos Zerpa.

Randolf Latuff, voz y guitarra de muchas bandas de rock, nació en Valencia un 30 de abril de 1953 y falleció, un 09 de abril de 2021 a los 68 años de edad. Era mas que un amigo, un hermano.

Aproximadamente en 1968/69, cuando éramos muy jóvenes, Randolph con la máquina de coser de su mamá, se encargaba de transformar y convertir esos jeans desteñidos y anchos en pantalones estrechos, “tubitos” o los convertía en acampanados al gusto del usuario. Era Randolph en ese momento, sastre y músico y lo apodábamos “La Rata”.

Randolph Lattuf y Amhed Ramos

Randolph, recuerda.

Miguel Ángel Noya y yo nos fuimos desde Valencia, Venezuela a Boston, a hacer crecer nuestro sueño, el 14 de abril de 1978. Llegamos a Nueva York y ese mismo día tomamos un tren hacia Boston. Miguel Ángel alquiló un apartamento, nos metimos a una escuela para prender inglés y nos dispusimos a buscar en donde estudiar música. Yo iba con el sueño de entrar a estudiar en Berklee y Miguel Ángel en verdad lo iban a aceptar en el MIT para que estudiara Matemáticas y Física pura. En ese entonces ya Oleg Buonanno, había dejado de estudiar en Berklee y de vivir en Boston, él ya estaba radicado en Nueva York, tocando con su banda Armband y tenía mucho éxito. Antes de irme a Boston, yo estaba en Valencia, tocaba guitarra y era la segunda voz, para la banda “ARFE Sonatem”, de Amhed Ramos y estaba tocando violín con la “Orquesta Nacional Juvenil”, surgió lo de Boston y le dije a su director, nuestro amigo, Francisco Noya, que, si me podía llevar el violín conmigo, él me miró a los ojos y riéndose me dijo que si y que además me llevara el estuche, el arco, el atril, las partituras y hasta el uniforme de la orquesta. Era una manera sarcástica de decirme que NO me lo podía llevar, pero yo de cándido, lo interpreté como un verdadero sí. Que bolas, lógicamente no me podía llevar un violín de la orquesta, pero yo andaba de soñador como en las nubes y me lo llevé, para sorpresa de todos. Lo hice de ingenuo, de soñador, jamás imaginé que me lo estaba robando, ja, ja, ja, me lo llevé prestado, no robado. Le pedí a mi amigo y hermano, Carlos Zerpa, que me pintara el estuche y así lo hizo, muy psicodélico y además agregó toques de bacterias, arcoíris, estrellas y símbolos de la paz en el estuche y también en el violín. Quedó estupendo mi Hippie Violin.

Miguel Ángel Noya, electro/teclados de la banda “Dogon”, recuerda.

Mira, creo que me fui a Boston el 14 de abril de 1978, me fui con el músico Randolph Lattuf. Los dos nos habíamos inscrito en un curso inglés en esa ciudad, pero en verdad me fui de completa aventura, yo no tenía ni idea de lo que estaba haciendo ni de lo que iba a estudiar, unos tipos fueron a mi casa en Valencia, a vender un curso de inglés en Boston, pues yo lo vi y me gustó la cosa. Randolph y yo no vamos con pasaje de ida a Nueva York y al llegar allí, tomamos un tren hasta Boston, no se me ocurrió la idea de buscar otro avión para hacer transbordo. Yo dije, nada, voy directo del aeropuerto a “Central Station” y ahí pregunté directamente en un inglés machucado, me las arreglé y conseguí montarnos en un tren. Randolph también estaba inscrito en el mismo curso de inglés. Llegamos un viernes como a las 8 a la estación de trenes de Boston y para que tú veas las cosas al día siguiente pues ya estábamos allí y nos quedamos en un hotel frente a la estación de trenes, yo no tenía familia ni amigos en Los Estados Unidos, ni Randolph tampoco. Al día siguiente nos pusimos a caminar y encontramos un aviso en un edificio, en el que estaban alquilando un apartamento, entramos y lo alquilé. Sin pensarlo mucho, ya Randolph y yo, estábamos en nuestro curso de inglés por tres meses, pero yo en realidad no sabía lo que iba a hacer con mi vida. Había dejado de tocar con la banda de rock “Bandada” de Franco Nasi, de hecho, el último toque había sido el día antes de mi partida, en un concierto en el Auditorio de la Granja Salesiana. Randolph había dejado de tocar con Amhed Ramos en las bandas “ARFE Sonatem” y “Un Camino”, de hecho, no pudieron ser teloneros de “Santana”, aunque aparecen en el programa, pero eso es ya otra historia. Pasé por el “Berklee College” y me dije, este es el College del que me hablaba tanto, el guitarrista y compañero de banda, Franco Nasi, que era super exigente, el Suma cum Lauden, en donde estudió Chick Corea y otros grandes músicos del mundo. Yo ya había estado estudiado teoría y solfeo en inglés, con un profesor de la Boston School of Modern Languages, esa escuela de inglés donde estaba estudiando, para entender cómo era la cosa en inglés. Entré a la oficina de admisión e hice una prueba, fui admitido en Berklee y me inscribí. Increíble, por una de estas carambolas de la vida en un instante definí lo que iban a ser mis próximos 300 o 400 años de vida profesional. Con todos los aciertos y equivocaciones.

CZ-

La energía te llevó de Valencia a Boston y directo a Berklee. Digamos que ese era tu destino. ¿Y qué fue de Randolph?

Miguel Ángel Noya-

Randolph rebotó con Boston, además, nunca le llegó la beca, así que se fue a New York por un tiempo y luego se regresó a Venezuela. Yo vivía con el apoyo de mis padres hasta que logré un crédito de la Fundación Gran Mariscal de Ayacucho, que complementé trabajando como asistente del estudio de Música Electrónica de Berklee (Me pagaban 256 dólares mensuales).

Randolph nos cuenta-

Me fui a Boston, pero la beca que me habían ofrecido del “Gran Mariscal de Ayacucho”, no me salió, esa gente se portó mal conmigo, además de que no me sentía a gusto en esa ciudad, nunca me gustó Boston, a los pocos meses, después de estudiar inglés, me fui a New York por un corto período y al poco tiempo, me regresé a Venezuela. En el tren de Boston a New York, se me olvidaron en el compartimiento, para equipajes de mano, todas mis flautas dulces, la Piccolo, la Sopranino, la Soprano, la Tenor, la Alto, la Bajo, la Contralto… Coño TODAS LAS FLAUTAS, que me había regalado mi profesora alemana en la orquesta. Regresé y me encontré con la noticia, de la acusación de haber sustraído un violín de la orquesta, tuve que devolver el violín pues aparecía como si me lo hubiese robado, menos mal que no hicieron la denuncia a la policía y no me metieron preso (Eso siempre se lo agradeceré a Francisco Noya, que no me denunció), pero en verdad, yo no me lo había robado, todo fue un mal entendido, por cierto, a ellos no les causó nada de gracia que lo regresara todo psicodélico con pinturas hippies. Peace, Love and Rockandroll. Ja, ja, ja, ja.

Randolph Lattuf y Amhed Ramos, y su banda “ARFE Sonatem” en el concierto "Juntemos las manos". 

Las bandas en las que participó Randolph Lattuf, con su voz y guitarra, fueron: “ARFE Sonatem”, “Un Camino”, “Cada Espiga de Trigo es un Rayo de Sol”, “Armonia”, “Dúo Strawbwerry”, “Sinfonía del Señor y tocó el violín para la “Orquesta Nacional Juvenil”.

 Randolph y Carlos Zerpa.

Como bien decía el pana, Randolph. “El que es picao e´culebra, cuando ve bejuco, tiembla”.

 

Fotografías: Danielle Chappard

El artista venezolano Carlos Zerpa, un creador y coleccionista de calaveras

Publicado el 2 noviembre, 2021  En CAMALEONES  Magdiel Olano

PUEBLA, MÉXICO.- Desde unas inspiradas netamente en las catrinas mexicanas, con flores y pintadas en tonos neón, hasta aquellas un tanto más excéntricas elaboradas con materiales poco usuales como bisutería o balas, el artista venezolano Carlos Zerpa por décadas ha dedicado parte de su quehacer a la creación de calaveras, figuras que son muy representativas para el Día de Muertos en México.

La comparación no es gratuita, pues el propio artista, quien a lo largo de su trayectoria ha estado cercano al ambiente y expresiones de México para la creación de su obra, advierte que “mis calaveras-calacas son un homenaje a mi querida segunda patria: México”.

Y es que el trabajo del nacido en Venezuela pero avecindado en Puebla desde hace un par de años, se enfoca a crear arte “no convencional”, como performance art. instalaciones, ensamblajes, nueva pintura o arte sonoro.

Tal como explica el propio Zerpa, la elaboración de las calaveras comenzó en 1993, y desde entonces la colección ha crecido a varias decenas.

Esta serie de Carlos Zerpa, reconocido plástico considerado una figura clave en los orígenes del arte conceptual en Venezuela, ha llamado tanto la atención que incluso fotografías de ellas han sido publicadas en espacios como las revistas Art in America, Art Nexus, Art Forum, catálogos de España, México, Estados Unidos, Canadá, Venezuela, además de la internet.

Algunas fueron intervenidas con joyas, bisutería o pinturas, logrando una estética llamativa que fue replicada por otros artistas.

Una de ellas fue la de Gabriel Orozco, “Papalotes negros”, creada en 1997 sobre una calavera humana y que actualmente forma parte de la colección del Museo de Arte de Filadelfia; o la “For the Love of God”, una calavera incrustada con 8 mil 600 diamantes hecha en 2007 por el británico Damien Hirst.

“Quiero hacer notar que estas calaveras con intervenciones de joyas, bisuterías o pinturas, fueron realizadas muchisiiimooo tiempo antes que la calavera cuadriculada de Gabriel Orozco o la ahora famosa calavera incrustada en diamantes de Damien Hirst” (sic).

Entre ellas se encuentra la calavera de balas “Kalabala”, creada para el disco Plomo revienta del grupo musical Desorden Público en 1996; ésta, cuenta Carlos Zerpa, fue plagiada por un artista en Tijuana, México, la cual tras una protesta internacional fue retirada de la galería donde se exhibía.

“No puedo decir que me han plagiado, pero de hecho la idea de este trabajo con calaveras, se me ocurrió primero a mi”.

Otras calaveras más forman parte de la colección, ya sea con forma de diablito, representando rostros de luchador, muchas más inspiradas en el este tradicional mexicano, u otras de formas tan variadas como complejas que hacen de ésta una colección única.

CARLOS ZERPA por ANTONIETA SOSA

CARLOS ZERPA por ANTONIETA SOSA 

-Él es un preformista rebelde, realizó en los años 80 los performances más agresivos y violentos del ambiente local, como yo no se ha retirado del performance sino que continúa trabajando alternativamente con su pintura, sus objetos, sus instalaciones y sus performances. 

-Creo que maneja de una manera magistral el uso de objetos de la cotidianidad para convertirlos en elementos expresivos. 

-El mundo de Zerpa se nutre de información muy distinta a mi mundo, a él le interesa mucho el rock algo que está muy lejos de mi experiencia.

 -Carlos Zerpa, propone aquí, tres ideas performancisticas para que ustedes las hagan, en el supermercado. 

1- Ve al supermercado y mete de todo en el carrito. Una vez lleno abandónalo en un pasillo. Ve cómprate solo un chocolate y cómetelo al salir. 

2- Ve al supermercado y mete toda la carne posible hasta arriba en el carrito. Llena el carrito de una manera exagerada. Pasea por todos los pasillos y observa la reacción de la gente. 

3- Ve al supermercado y compra un pavo (turkey) Siéntalo en el carrito en donde sientan a los niños. Llena tu carrito con compotas, pañales, teteros...

¿Y lo del concierto de Santana en Valencia, Venezuela?

 

¿Y lo del concierto de Santana en Valencia, Venezuela?

Carlos Zerpa

OK, OK… Ya dejen de presionarme, ya les voy a contar lo del concierto de Santana, aquí por estos lares. Yo estaba presente, fui a las presentaciones en Valencia y a la de Caracas, lo viví, no fue que me lo contaron.

“SANTANA” y por Valencia, “UN CAMINO” de Amhed Ramos.

Placido Garrido en la radio, lo anunciaba y nos decía: “Ya viene… ¡Tranquilo!”

La gira de Santana arrancó en Maracaibo donde alternaron con la gente del grupo “Guaco”, esto fue el 05 de octubre de 1973. “Carlos Santana en la Plaza de Toros de Maracaibo”. Al día siguiente la banda visitante viajó llevándose como regalo unos “Furrucos” (La zambomba o Runcho española), esos tambores con una varilla incorporada que se utilizan en navidad para las parrandas y para tocar “Gaitas” maracuchas. Mike Shrieve, el baterista de la agrupación visitante, se llevó varios de estos furrucos y tamboras para ver de qué forma los integraba al sonido de percusión de la banda. Radio Capital transmitió por vez primera, en cadena y para todo el país este concierto. De Maracaibo se vinieron directo a Valencia. Se presentaron en la Plaza de toros, Monumental el día 06 de octubre de 1973 y las entradas se vendieron a 40, 30, 20 y 10 Bs. Se presentaron junto al grupo “Un Camino” y asistieron aproximadamente unas 40 mil personas. Es significativo señalar aquí, que la banda “Un Camino” de nuestro querido amigo Amhed Ramos, fueron los Invitados como teloneros para el concierto de Carlos Santana, “El Santanazo”, pero no pudieron o no se atrevieron a tocar ya que el público a nivel de histeria colectiva y muy agresivos pedían a gritos la presencia de “Santana” en el escenario, no permitiendo que ningún otro se montara en tarima… La banda de Rock valenciana “Un Camino”, integrada por Amhed Ramos en la primera guitarra y voz, Alfredo García en el violonchelo, Fernando Latouche en el bajo, Alex Pelayo en la batería, Rafael “El Gato” Blanco en el piano e Iván “El Negro” Salgado en el violín, NO pudo presentarse como teloneros de Santana, en el concierto de Valencia y cedieron el espacio a la banda visitante y se quedaron en el back stage como medida de seguridad, Amhed Ramos, el líder de la banda, lo prefirió así. El anis “El Mono” tenía enardecido al público tornándolo muy violento. Santana comenzó el Concierto de Valencia con una onda mística, en la que andaba en esos tiempos, una onda de música bastante hindú. La gente no quería ese tipo de música, se caldearon más los ánimos y se pusieron muy arrechos, todo el público comenzó a corear "Oye como va", "Oye como va, mi ritmo", "Oye como va". Los organizadores del evento estaban muy preocupados y le advirtieron a Santana que tocara sus canciones conocidas, pues sino la gente iba a comenzar a reventar y a destruir todo. Entonces el baterista de Santana, el gran “Mike Shireve” se acercó al micrófono y le dijo al público: “La música es lo único que puede tranquilizarnos” y comenzó a tocar un solo en la batería, que se emparentaba con el que triunfó en el festival de Woodstock, arrancó la fiesta, el maravilloso concierto, al instante Carlos Santana se incorporó con un punteo de su guitarra y arrancó, " Oye como va" y casi se cae la Monumental con los gritos. En la Monumental de Valencia, los tabacos de marihuana y los ácidos lisérgicos rodaban de mano en mano y con entera libertad. En la Arena, estaban los que habían pagado los tickets más caros, fumando marihuana y con botas de beber vino, de esas que se usan para las corridas de toros, pero llenas de whisky. Los de las gradas y a los del costado del escenario, estaban ocupados por tipos más malandros, que igual, fumaban marihuana, pero estaban bebiendo anís y muy enardecidos. Cuando comenzó el concierto, se cambiaron los papeles, los malandros invadieron la arena de una manera muy violenta y muchos de los de los que estaban en frente, tuvieron que irse para las gradas pues la cosa estaba muy heavy en la olla. Un par de hechos enlutaron el concierto, ya que quizás en ácido, un joven se lanzó desde la parte alta de la plaza de toros, como volando desde una altura mayor a los veinte metros y se estrelló contra el pavimento del estacionamiento, muriendo al instante y otro joven falleció en la “olla” apretado por la multitud, violenta y llena de “Anis el Mono”. En este concierto hubo unos 130 detenidos. Pero aparte de esto el concierto fue fabuloso. No hubo vigilancia, así que más de 40 mil personas estuvieron a su libre albedrio y en líneas generales la cosa no se tornó violenta. La marihuana apaciguó los ánimos e hizo que la banda tocara sin tanto terror. Sin dudas pudo ser peor. El diario “El Nacional” lo reseñó, “El olor a marihuana lo llenaba todo, la droga se consumía con entera y absoluta libertad”. Tom Closer el tecladista de la banda de Santana dijo que estuvo en medio del peligro y que vivió cosas buenas y cosas no tan buenas. Esas cosas no tan buenas, fueron experiencias que me gustaría olvidar. Es bueno recordar entre las cosas “buenas” para él, que este tecladista se enamoró en Caracas de una venezolana, justo de la novia del locutor y voz del concierto, Placido Garrido quien la llevó al evento y entonces ella dejó al locutor y se fue con su tecladista hacia Brasil, en donde continuaba la gira. La vida te da sorpresas, sorpresas te da la vida. Como bien dice Rubén Blades.

Existe una película que nunca he visto (Creo que nadie la ha visto), se trata de un film en 16 mm y de 90 minutos de duración de todos los conciertos, del tour de Santana por Latinoamérica, esta película fue realizada por el venezolano Juan Santana y se llamó “Santana por Santana”. ¿Dónde está? ¿Dónde se puede ver? ¿Está en la cinemateca de Caracas o en casa del cineasta? Ni idea. Bueno, consegui este.

https://www.youtube.com/watch?v=MTzEKCgI2V8

Algunas de las magníficas piezas de este concierto fueron: Soul Sacrifice, Black Magic Woman, Incident at Neshabur, Se Acabó, Samba pa ti, El Nicoya y la estupenda versión de la pieza de Tito Puente “Oye como va”. Rrrr, sabor, Oye como va, mi ritmo. Bueno pa´gozá, mulata. Oye como va, mi ritmo. Bueno pa´gozá, mulata.

El setlist. Meditation, Going Home, A1-Funk, Every Step of The Way, Oye como va, Rehersals, Batuka, XiBaBa (She-Ba-Ba), Stone Flower (introduction), Savor/Conga Solo, Toussaint L'Overture, Bambelé, Um Um Um, Soul Sacrifice, Incident at Neshabur, El Nicoya, Kyoto, Free Angela, Promise of a Fisherman, Black Magic Woman, Samba Pa Ti, Toussaint L'Overture, Se Acabo

Arte y drogas en la Colombia: una investigación

 

Carlos Zerpa. Homenaje a Colombia (1988)

Arte y drogas en la Colombia: una investigación

Santiago Rueda

Colombia -

abril 19, 2022

A Rodrigo Lara Bonilla lo mataron llegando a su casa el 30 de abril de 1984. El sicario fue contratado por Pablo Escobar. Bonilla era Ministro de Justicia y una de sus banderas era la lucha contra el cartel de Medellín. Después de su muerte, el gobierno de Belisario Betancur aprobó la Ley de extradición, con la que se inició oficialmente la llamada “guerra contra las drogas” en Colombia.

El investigador y curador Santiago Rueda recuerda la noche del asesinato. Su casa quedaba cerca del lugar donde sucedió y recuerda el impacto que sintió, no solo por el hecho, sino también al ver al sicario, un muchacho un poco más joven que él. Ese día, dice Santiago, Colombia se convirtió en un país narco. “Eso marcó un antes y un después, y a partir de ahí, el número de anécdotas que tenemos todos los colombianos sobre lo narco es interminable.”

Santiago estudió artes y empezó a trabajar el tema de las drogas y el fenómeno narco de manera más visible a partir del 2008, cuando publicó su libro Una línea de polvo. Arte y drogas en Colombia. Hasta ese momento, Santiago había identificado una serie de obras que trataban el tema en el periodismo, el cine y la literatura, pero notaba un vacío en el estudio de las artes visuales. Así inició una serie de investigaciones que luego fue ampliando al resto del continente, acompañado de exposiciones en varios países de América Latina.

En Una línea de polvo decidiste usar la expresión “el fenómeno narco” y no la palabra “narcotráfico”, ¿a qué se debe esa decisión?

 No es una idea mía. Lo narco no es sólo tráfico. Colombia es un país productor, comercializador, lavador y consumidor. Adicionalmente, tenemos una tradición en el uso de las plantas. Para poder trabajar esas ideas hace 15 años, era necesario actualizarlas, el término narco es más útil, y el de drogas por ejemplo, hoy me parece insuficiente, por eso mi penúltimo libro se titula Plata y plomo. Una historia del arte y de las sustancias (i)lícitas en Colombia.

 Una línea de polvo fue escrito pensando en los niños del futuro, concebido como un libro que serviría como un compendio corto y descriptivo del problema que además contara como los artistas visuales respondieron a él.

 ¿Tú crees que existe un género narco? 

No necesariamente. Es, de hecho, algo que yo he discutido mucho, y lo tratamos en el nuevo libro que concebimos con Harold Ortiz, Mona®co. Cuando examinas el trabajo de artistas como Carlos Uribe, Víctor Muñoz, Wilson Díaz o Miguel Ángel Rojas ves que ellos tratan el tema, pero no hay ningún artista que solo trabaje lo narco. No hay un narco género, porque los mismos artistas entran y salen del tema; entran y salen en su particularidad. Si hay una narco estética, como un fenómeno que se renueva en la cultura colombiana, pero no hay artistas de narco género en las artes visuales.

Si tú ves las exposiciones que he hecho sobre el tema, tú dices, pero esto parece una fiesta, hay papeles de colgadura con diablitos, hay banderas, pipas, señales de tránsito, stickers, submarinos de plástico, una rockola -ó más bien una Co-Cola-, una iconografía muy alegre, que tú puedes leer en clave de lo que quieras, pero no es ni narco estética, ni tampoco es documental. Lo que yo trabajo tiene algo de todo eso. Es bien interesante porque de eso no se ha hablado. En mis curadurías y en mi experiencia al reunir las obras que a mí me interesan el resultado es otro: no es pesimista, ni juzga, ni acusa, sino que es un compendio de cómo nosotros vivimos culturalmente con las sustancias y como también le encontramos salidas al problema o intentamos hacerlo.

 

Naide. Variación de fábula y bandido (1982)

Una línea de polvo se convirtió en un trabajo de curaduría y en una serie de exposiciones, pero esa parte del trabajo se demoró en llegar a Colombia, ¿por qué crees que sucedió eso?

Porque la gente tiene muchos prejuicios. Me presentaba a convocatorias y rechazaban la propuesta, decían que yo iba a hacer quedar mal el país. Imagínate a gente de la cultura diciendo eso, como si fuera un argumento serio. Además, había mucho silencio. Lo que se puede hablar hoy no es lo mismo que se podía hablar hace 10 años, o sea, realmente sí hemos cambiado en ese aspecto, muchos debates ya hoy se han ventilado.

Ha habido censura, yo no hablo mucho de eso pero sí. Logramos que la exposición se hiciera en el Museo de Arte Contemporáneo en Bogotá en 2018. Y luego logré que viajara y pudo estar en Medellín, en Bogotá otra vez, en Cali y en Pereira, todo en el 2019.

Durante la pandemia Una línea de polvo fue invitada a la exposición Narcolombia a finales del año pasado. Fue algo impresionante. No me imaginé que eso tuviera ese impacto ni ese público tan numeroso. Los debates por fin se dieron abiertamente, de frente y desde la institucionalidad, en este caso, desde la Universidad de los Andes y gracias a los organizadores de la exposición, Omar Rincón, Lucas Ospina y X Andrade. Ahora lanzamos Mona®co. Memorias ilícitas contadas desde el arte, una serie de diálogos registrados en cada ciudad donde se exhibió Una línea polvo en el año 2019 -Bogotá, Cali, Medellín y Pereira- donde participan artistas, caricaturistas, periodistas, y representantes de las comunidades indígenas del Cauca entre otros, una serie de conversaciones que tratan un amplio espectro de lo narco en cada uno de esos contextos: el coleccionismo de arte y la especulación financiera; el humor, la opinión y la censura; el uso y abuso de sustancias y el lugar de las plantas sagradas. Todo teniendo como telón de fondo la implosión del Edificio Mónaco en Medellín ese mismo año. Mona®co es un nuevo compendio visual sobre el tema, enseñando más de 80 obras de 40 artistas, algunas de ellas inéditas.

Juan Melo, 2021

Desde tu perspectiva y tu conocimiento, ¿cómo ha cambiado el arte y sus posicionamientos respecto a este tema de los 90 para acá?

Pasan dos cosas. Primero, que con la legalización del uso del cannabis medicinal y recreativo -ésta última en Canadá y Uruguay-, y la difusión de las prácticas terapéuticas de otras plantas, hemos dejado de satanizar las sustancias, nos hemos familiarizado con ellas y las estamos descubriendo y descubriéndonos a través de ellas. Hay un cambio en la conciencia colectiva y eso ha permitido dialogar más abiertamente sobre el tema. Por otro lado, se van produciendo más obras, se van creando más situaciones y el tema ha crecido también negativamente en el continente. Cuando empecé con el tema, había países que no lo trataban. El fenómeno ha sido expansivo. Por ejemplo, en Brasil no se trataba y luego con toda la epidemia de crack, se empieza a trabajar el tema de las drogas por parte de los artistas. En Argentina también. Rosario, donde coincidencialmente inició el camino de Una línea de polvo en 2012, se volvió en la última década una ciudad narco. México ni hablar, Centroamérica ni hablar.

Con los viajes y las investigaciones que he hecho he podido reunir más voces. Cuando hice la penúltima versión de Una línea de polvo en Pereira en el Museo de Arte de Pereira tenía 70 artistas invitados. Lo que hice fue tomar la exposición que habíamos hecho en el Hotel Nutibara en Medellín meses atrás, junto a otras obras que reuní y llegamos a un número de artistas muy elevado, igual al que puedes tener en alguna bienal internacional, alcanzando su techo. La pregunta era ¿por encima de esto qué más se puede hacer?

En Narcolombia decidí trabajar con 8 artistas, especialmente de Medellín, tanto para hacer una recuperación histórica, como para enseñar lo más reciente. Entre las primeras, dos mujeres que son fundamentales, Marta Elena Vélez con El tigre (1981), una de las primeras obras que efectivamente refieren a la naciente narco estética, y con las pinturas de Ethel Gilmour, artista norteamericana que vivió en Medellín, y una de las primeras cronistas de lo que era vivir en una ciudad narco. Aparte de incluir artistas como Nadin Ospina, Fernando Uhia y Jaime Avila, enseñamos a ToN oF coke (2021) de Camilo Restrepo, una tonelada de cocaína virtual -inexistente físicamente- adquirible kilo a kilo únicamente mediante nft. Fue una exposición a pequeña escala, en contraste con las versiones que realicé en progresivamente en los últimos 10 años -que pueden conocerse a través del libro Post scriptum: Una línea de polvo en América latina editado por Pierre Valls en México.

Para Narcolombia incluí una serie de imágenes de publicidad de las galerías de arte colombianas activas en los años 80 y 90, donde la presencia del dinero y el gusto narco es súper evidente. De eso no se habla casi y es un capítulo que yo quiero desarrollar más y es como el mundo del arte, sin necesariamente tener una iconografía narco, se entregó a lo narco, se puso a disposición de clientes ignorantes en arte. La pieza clave ahí es Fernando Botero, a través de él puede interpretarse el fenómeno, desde la inflación de sus precios a inicios de los 80 a las implicaciones de su hijo en el Proceso 8000. Creo que para responder a la pregunta por cómo ha cambiado el arte, hay que ver el arte también como lo que se ha convertido, un fenómeno comercial.

¿En términos comerciales cómo se ha dado la relación entre arte y el fenómeno narco?

Hasta los años 60, 70, el arte, no sólo en Colombia, era una actividad muy reducida, le gustaba a muy poca gente. Después de la caída del Muro cuando la cultura se vuelve espectáculo, y se desarrolla la economía de servicios y las industrias del entretenimiento de forma masiva, especialmente en Europa, empiezan a cobrar fuerza los museos, las bienales y las grandes exposiciones como motores del desarrollo turístico e inmobiliario. A partir del 2000 más o menos, empieza todo ese fenómeno de las ferias de arte internacionales, una consecuencia de la gigantesca especulación financiera que caracterizó esa década y que se derrumbó en 2008. El arte entra a jugar ahí porque es algo muy apropiado para fabricar valores falsos. Tú puedes ponerle un precio y decir que eso es importantísimo y quien te dice que no. El mercado del arte salió ileso de esa crisis, y las grandes ferias siguen y las obras de los artistas reconocidos siguen siendo costosísimas.

El arte ha servido como un lavadero no solo para lo narco sino para el mundo financiero en general. Además, el sistema del arte es una pirámide donde hay miles de artistas, pero pocos son los que realmente obtienen los beneficios y pueden vivir de su trabajo, son muy pocos los que venden muy bien. Es un sistema que se basa en la exclusividad, y por ello sólo pocos pueden ofrecer algo aparentemente único, extravagantemente caro, imbuido de un aura ficticia, que es finalmente, la que se monetariza y mantiene vivo ese mercado. Y todo eso condiciona al arte y es una cosa muy narco. La alta cultura resulta ser muy mafiosa.

Carlos Zerpa en el Museo Rayo, en Roldanillo, Colombia

 Este sábado se inaugurarán las últimas tres exposiciones y obra huésped del 2017 en el Museo Rayo, en Roldanillo.

Siguiendo su política de mostrar a artistas colombianos significativos del siglo 20 y 21 entre los internacionales y los de otras épocas, Miguel González, curador del museo proporciona, para cerrar el año, muestras de tres colombianos insurgentes e iconoclastas: Álvaro Barrios, Nadín Ospina, Marco Mojica y el venezolano, Carlos Zerpa.

Estas exposiciones que son apoyadas por el Ministerio de Cultura, Programa Nacional de Concertación Cultural, estarán abiertas al público a partir del domingo 12 de noviembre, de 9:00 a.m. a 6:00 p.m. en jornada continua, hasta enero.

Además de la exposición que se estrenará, también podrá visitar los diferentes espacios que ofrece el Museo Rayo.

Álvaro Barrios, barranquillero

Álvaro Barrios compone sus pinturas con destreza y colorido.
La dota de humor y sarcasmo y se adhiere a la estética del cómic para transmitir imágenes que desafían su propia integridad y están dirigidas a inquietar y movilizar conciencia. Su pintura resulta tan formal como conceptual, promulgando un estilo optimista y desenfadado, capaz de generar en el espectador reflexiones al interior del arte valiéndose igualmente de su historia.

Nadín Ospina, obras precolombinas

Esta exhibición se concentra en obras elaboradas desde 1998 a 2014, todas citando elocuentemente las culturas precolombinas y enmarcando en cada pieza tanto a Mickey Mouse, Daisy, Pluto, el Pato Donald y Homero Simpson.

Produciendo una iconografía donde la extrañeza, el enfrentamiento cultural, los relámpagos de la sociedad de consumo y la transgresión gozan de un tratamiento privilegiado. Las piezas, unas en piedra y otras en bronce tienen una factura impecable y se presentan contundente exponiendo con toda claridad la hibridación a que han sido sometidas.

Carlos Zerpa (obra huésped)

Esta pintura en gran formato y de impactante colorido produce una
peculiar impresión en el espectador. Una mujer tatuada, con escudo,
manilla con taches, togada y con un puñal en la mano cabalga sobre un gran cerdo morado. Esta peculiar amazona se encuentra próxima a varias de las insignias de la pasión de Cristo como la columna, el látigo, el divino rostro y el gallo de la negación. Se puede ver parcialmente en un extremo una calavera. El fondo es una noche estrellada con constelaciones incluidas y una cenefa de hojas amarillas enmarca a la manera de arco la parte superior de la composición.