El comienzo de Las Instalaciones de Arte en Venezuela

 

El comienzo de Las Instalaciones de Arte en Venezuela

Carlos Zerpa y Sigfredo Chacón

Ciudad de México - Miami, 2025.

En la foto. William Stone, Sigfredo Chacón e Ibrahim Nebreda. El Autobús.1971. Ateneo de Caracas

 

Es importante tener claro, que una exposición de esculturas en si no es una instalación, por muy bien que esté realizada la curaduría y la museografía, no es una instalación.

Los elementos y objetos utilizados en un performance, si se aproximan a lo que es una instalación, pero generalmente no lo es, a menos que el artista se plantee de antemano realizar una instalación como parte de su performance.

Una escenografía para teatro, tampoco es una instalación, a menos que se realice de antemano con ese criterio. Pero una escenografía es eso, una escenografía.

Hemos estado buscando y leyendo los textos que hemos encontrado en internet, sobre las instalaciones en Venezuela, la mayoría son inexactos y llenos de equivocaciones, pero tristemente es lo que hay. Hemos tomado algunos fragmentos equivocados y estamos escribiendo en verdad lo que pasó. Para que quede por escrito. Los historiadores de arte andan en otras cosas y no en esto de las instalaciones, quienes escriben, los curiosos, en verdad no investigan y ponen en sus textos lo que les viene en gana, tergiversando los hechos ocurridos y sumándose al caos.

Ni Sigfredo Chacón, ni Carlos Zerpa, somos historiadores de arte, ni pretendemos serlo, lo que pasa es que este asunto nos atañe, lo hemos vivido y en verdad forma parte de nuestro camino artístico, por ese motivo nos hemos puesto a hacer memoria y a registrar los acontecimientos.

Bueno, entremos en materia, este asunto no está nada fácil.

1940/1950

A finales de los años cuarenta y principios de los años cincuenta, Armando Reverón, convivió con sus objetos y muñecas, ellos estaban en todas las paredes, techos y pisos de su castillete de Macuto, podría ser él, quizás, sin proponérselo, el artista pionero de las instalaciones en Venezuela.

1962

Carlos Contramaestre en la exposición que realizó con el grupo “El Techo de la Ballena” realiza su “Homenaje a la Necrofilia”. Él, de pie, cual escultura viviente, leyendo poemas, al lado de cadáveres y vísceras de animales, huesos, carnes y más carnes, carne de ganado vacuno, de porcino, de aves, vísceras y huesos frescos de reses, con basura, objetos de desecho y prendas íntimas de vestir, cual instalación efímera que sangra, que se descompone, que se pudre, que huele mal y se llena de gusanos… A la semana ya nadie podía entrar a la sala por el nauseabundo olor, la putrefacción, la lluvia de moscas y el piso lleno de gusanos. En ese momento, el Departamento de Salud Pública del Ministerio de Sanidad procede a clausurar la muestra. Dicen que, a causa de esta instalación, al doctor Contramaestre le fue suspendida su licencia y ya no pudo ejercer nunca más como médico en el territorio nacional. Dicen que la evidente alusión política implícita en la obra hizo que las autoridades del gobierno cerrasen la exposición y confiscasen el catálogo.

1965

Marisol Escobar, realiza La fiesta, quince figuras escultóricas de tamaño natural y tres paneles para la pared, con madera pintada y tallada, espejos, plástico, un televisor, ropa, zapatos, anteojos y otros objetos. Las dimensiones son variables, no son quince esculturas aisladas, son sin dudas una instalación escultórica.

1967

Jesús Rafael Soto exhibió su primer Penetrable en la Galerie Denise René de París, una pieza emblemática a través de la cual reflexiona sobre la percepción del espacio. Mediante esta obra el artista se vincula a la arquitectura y pone de relieve la participación activa del espectador. No eran una instalación en sí, pero hay que hacer referencia a ella.

1968

Carlos Cruz-Diez, creó "Chromoscope", una obra emblemática de su trabajo, que exploraba la desmaterialización del objeto artístico y la participación del espectador. Esta obra, que se encuentra en el Centre Pompidou buscaba involucrar al espectador en la experiencia artística, transformando su papel de observador pasivo a participante activo.

1969

Las Reticulareas de Ge Go, se muestran por primera vez en el Museo de Bellas Artes de Caracas. Son ensamblajes de piezas modulares de acero y aluminio que construyen una vasta estructura en apariencia orgánica. Se trata de una obra dinámica y cinética, de configuración flexible, suspendida en el espacio, y de una transparencia extrema. Una estructura aérea e ingrávida.

1969

Antonieta Sosa, realiza su exposición individual en el Ateneo de Caracas intitulada “Siete Objetos Blancos” donde presenta toboganes, escaleras y plataformas. El día de la clausura de la exposición, la artista quema públicamente una de sus obras la “Plataforma II”, en el espacio entre el Ateneo y la plaza Morelos, trayendo como consecuencia que esto se transforme en un happening donde otros artistas, el público transeúnte y los periodistas presentes, se sumen a la protesta contra la participación de Venezuela en la X Bienal de Sao Paulo de 1969. Brasil en medio de una feroz dictadura militar y en una época que los militares brasileños quemaban obras de artistas locales. Como protesta muchos países no participaron y artistas como Helio Oiticia, Lygia Clark y Liliana Porter también protestaron. Venezuela en cambio decidió participar sin tan siquiera problematizar la situación. La acción contaba de los siguientes pasos a seguir: -La colocación abrupta de la obra en la Plaza por un grupo de encapuchados -Una danza improvisada por un grupo de bailarines. -Se quemarían las alfombras que cubrían los cuadrados de la pieza -Destrucción con hachas -Colocación de los restos en bolsas de basura. La acción contaba de los siguientes pasos a seguir. La obra fue destruida el día acordado domingo 7 de septiembre de 1969, con la presencia del presidente de la República Rafael Caldera. La acción resultó ser más violenta de lo que había planificado la artista y se obviaron algunos de los pasos, pero quedó la evidencia del rechazo al envío venezolano a la Bienal de Sao Paulo.

1971

En Caracas un grupo de artistas integrado por Sigfrido Chacón, William Stone e Ibrahim Nebreda, realizaron una obra de participación denominada “El Autobús”.  La misma consistió en utilizar un autobús urbano, para plantear el hacinamiento, el anonimato y la soledad, temas cotidianos del hombre y la ciudad. Introducen un autobús a las salas de exposiciones, rompiendo con las normas estéticas que hasta entonces habían dominado dicho espacio. La propuesta era sencilla: invitar al público a dialogar sobre las nuevas rutas del arte en aquel entonces. Un autobús en estado de ruina que cubrió la ruta 5 (San Bernardino-Silencio-Quinta Crespo), es re-ensamblado en la sala, y elevado a la categoría de ARTE. Sigfredo Chacón, cuenta que realizaron El Autobús, en el taller de William Stone en Baruta, y Prados del Este, trabajaron un año o más haciendo las esculturas, en 1970 comenzaron el proyecto, Ibrahim, William y Sigfredo, oyendo a Bach, Vivaldi, The Beatles, The Rolling Stones, Música Concreta, Corelli, todo el tiempo con la música full. Mientras trabajaron. Cuando Bélgica Rodríguez era la secretaria ejecutiva del Ateneo de Caracas, instalaron El Autobús, ella les consiguió 10.000 Bs para pagar los gastos de instalación de la muestra. Los espectadores entraban en el autobús y veían esculturas, escuchaban sonidos, el autobús estaba vivo. La Calle de pronto toma la sala de exposiciones. Esta instalación fue realizada para vivirla, no para verla, para adentrarte en ella y escucharla.

1971

Sigfredo Chacón mostró una Instalación, con unos sacos de lona colgando, mecates y eses metálicas, en la exposición, Joven Actualidad Venezolana, en la Galería Estudio Actual de Caracas

1972

Se realiza la exposición, “Las Sensaciones Perdidas del Hombre” en la Sala Mendoza, de Caracas, en donde los artistas Germán Socorro, William Stone, Rolando Dorrego, María Zabala, Ana María Mazzei y Margot Römer, muestran ocho ambientaciones distintas, con el fin de reencontrarse con la naturaleza, con lo humano y lo subjetivo del hombre.

1972

Víctor Hugo Irazábal, cuando formaba parte del “Taller Doce” realizó una propuesta muy ligada a las instalaciones, dentro de la muestra “Mamita tápame que tengo frio” en el Ateneo de Caracas. Irazábal presentó un escritorio, con todos los elementos de una oficina, como sellos de goma, máquina de escribir, lápices, lampara de mesa y muchos objetos. Todos pintados de plateado y hasta el maniquí de oficinista, vestido de traje y corbata, sentado en su silla, también pintado todo de plateado. Del techo también colgaba otro maniquí de traje, en vuelto en telas, cabeza abajo pintado de blanco, eso recuerdo. Eso fue una instalación.

1972

Se expone la muestra “Para contribuir a la confusión general”. Esta muestra presentaba obras de seis artistas, en las que más que Ambientaciones, lo que se percibía eran obras conceptuales, precursoras de las Instalaciones. Rolando Dorrego, con una nevera y tres cocinas salidas de fábrica, donde la primera, abierta, mostraba en su congelador un paisaje polar, y en los hornos de las cocinas, paisajes desérticos. William Stone, con una enorme jaula de gallinero suspendida, pero, en vez de gallinas, lleno con almohadas de plumas de gallina y con un enorme Cojín mullido, en tela canvas, pintada, donde el espectador saltaba o descansaba, si lograba treparse. María Zabala, delineando el espacio de una habitación con finas luces de neón. Ana María Mazzei, con la instalación "La violencia" con un gran espejo semi oculto por una cortina atada con sogas, una tela de 7metros x 3 mts alto, pintada en rojo, con un corte, desgarre, en la mitad y un espejo detrás, para simular un espacio virtual o inexistente, al cual "acceder y Margot Römer con una serie de piezas que recreaban el consultorio de un oculista, donde el humor negro y el absurdo se hacían presentes, con grandes paneles con un Sistema Braille sin relieve, o un bastidor vacío con el título de Sistema Braille Puro, o un cartel de letras de diferentes tamaños, para medir la visión.

1972

Sigfredo Chacón y Eugenio Espinoza en el Ateneo de Caracas, compartieron las salas, Espinoza hizo “El Impenetrable”, una lona blanca que, extendida en el suelo y levantada ligeramente por un soporte de madera como un cuadro yaciente, que le impedía al público la entrada a la sala. El espectador debía estar ahora fuera de la obra para que ella mantuviese su silencio necesario. Eugenio decía que, si Soto quería desmaterializar el espacio, pues Eugenio más bien, quería materializarlo, hacerlo impenetrable. Chacón presentó, sus “Situaciones”, que consistían en una instalación en donde guindaban del techo pedazos de tela, sostenidas por mecates. Situaciones (Res-Rembrandt). Instalación de tela, mecates y eses metálicas 300 x 300 cms, la idea era que después de la exhibición se destruyera el material, que no quedara obra, Sigfredo recuerda esta propuesta como un proceso muy natural, sin demasiadas pretensiones. Lo importante eran las ganas de experimentar, hacía propuestas y después las destruía, sin buscar permanencia.

1972

En el Salón Nacional de Jóvenes Artistas de Maracay, Aragua, que se realizó en la Casa de la Cultura. Se presentaron instalaciones de Margot Römer (Una jaula con barrotes como celda en donde adentro había unos contenedores de basura con la leyenda “Homo Sapiens”) William Stone (Una almohada gigantesca en donde la gente podía brincar o treparse), Eugenio Espinoza (Eugenio y Chacón presentaron una obra conjunta de 12 autorretratos De 120 x 120 cm aproximadamente, dibujados con lápiz sobre loneta cruda, en donde Sigfredo picaba un ojo y Eugenio sacaba la lengua, algo así, por allí era la cosa). Sigfredo Chacón (unos sacos en lona y una lona colgada del muro con un cuadrado pintado, con el título, Saco, saco, saco y cuadrado) y Jorge Salas (Una plataforma de madera, como piso con baldosas, que al pisar cada cuadrado producía sonidos electrónicos musicales)

1972

Los Listonados, de Gerd Leufert, son mostrados en la Galería Conckright, son obras que van más allá de la simple audacia. Concebidas como marcos de diseños variados, laqueados en blanco (para ser colocados al aire, sin fondo alguno, y otros en la pared, pero de perfil), Leufert decidió incorporar en algunas de sus partes ciertos detalles de vibrante color puro. Estos marcos no son accesorios para realzar la pintura ni para protegerla, si no que dejan el espacio de ésta vacío, y se convierten aquí en el único motivo visual, se mostraron en conjunto como una instalación.

1973

Con Piel a Piel, los artistas, Germán Socorro, María Zabala, William Stone, Rolando Dorrego, Ana Maria Mazzei y Margot Römer, participarían en la Bienal de Sao Paulo, en Brasil, con un enorme pentágono, dentro del cual se hallaban seis ambientaciones que remitían todas a las sensaciones de la piel. También esta Ambientación puede considerarse precursora del arte de la Instalación, por su poder participativo, por el uso del espacio como elemento de la obra, y porque hacía arte con la vida misma y su sensualidad, remitiendo al público a una introspección de su propia naturaleza humana. cinco secciones lo integraban: un túnel de paredes bulbosas y estrechas, símil de la compleja ósmosis del nacimiento de una criatura. En seguida se llegaba al desierto, con sus paredes metálicas y los fogonazos crueles de las luces. El piso era de arena y grava, para que se reconocieran aquí trozos de la dolorosa geografía venezolana. El tercer estadio era un laberinto de fibras, que imitaba un gigantesco sistema nervioso: todo lo contrario, rodea al participante en la próxima sección de suaves planos colgantes, ondulantes y acogedores, donde el contacto se hace imprevisible y familiar caricia. El muro es el próximo paso, con su dura geometría vertical. Accedemos a la ciudad con sus tajantes compartimientos, donde la tactilidad se apresta para el rechazo de las superficies. Nos replegamos hacia adentro. Y al centro, palpamos esta especie de lago de percepciones donde todos los hilos conducen a la forma de una inmensa piel, resumen de todo, la nueva tierra prometida donde toda comunicación es posible. Las diferentes situaciones por las que atravesaba el espectador. El calor, la Aridez de los suelos, lo intrincado del Acceso (Selvas o Multitud) para finalmente entrar al centro de una " Nube Virtual" que Flotaba en el espacio, con el Hombre en su centro.

1973

Héctor Fuenmayor realiza su obra “Amarillo Sol K7YV68”, que, según sus propias palabras, surgió de la idea de reproducir la pintura a escala mural, cubriendo la totalidad de las paredes de la sala y pegando la identificación industrial del color en una pequeña leyenda en el centro de cada pared, último gesto este, que definiría el fundamento conceptual del mural instalación.

1974

Se muestra “Cachicamo Uno”, de Diego Barboza, en el Ateneo de Caracas, donde puso a la disposición del público elementos relacionados con las tradiciones del país, tales como chicha andina, casabe, yuca, tabaco, café, cacao, hierbas, piñatas, sombreros, cestas, música popular, música folklórica y estampas populares… La gente se vio confrontada y asociada a una experiencia relacionada con su universo cotidiano. Una larga tela blanca con símbolos en rojo fue utilizada para crear una especie de gusano con la participación de los presentes en un happening, que Barboza llamó “La Caja del Cachicamo”.

1975

En el Ateneo de Caracas, Rolando Peña, muestra “El Entierro” en donde con muchos ataúdes, crea una instalación para luego realizar con ellas un happening

1976

Blancas Paredes de Pedro Terán, una exposición en el Museo de Bellas Artes, de Caracas. Terán, vestido de blanco, recibe al visitante de la sala en actitud inmóvil, sentado y conectado a la pared a través de dos agujas hipodérmicas que perforan su piel. El artista que se hace uno con el espacio.

1976

En el Espacio Anexo de la Sala Mendoza, Diego Risquez realiza una Instalación, conformada por un círculo colgante de radiografías de frutas, suspendidas sobre platos de frutas verdaderas, que después de las tres semanas de duración de la muestra, fueron pudriéndose dentro de su ciclo natural.

1976

Asdrúbal Colmenárez expone sus Táctiles Psicomagnéticos en el Museo de Bellas Artes - Caracas, Venezuela, en 1978 Alphabet Polisensoriel. Museo de los Niños del Museo de Arte Moderno. París, Francia y en 1980 Alfabeto Polisensorial y Otras proposiciones sobre la Escritura, en la Galería de Arte Nacional - Caracas, Venezuela.

1977

Claudio Perna, participó en la exposición colectiva 11 Tipos, realizada en la Sala Mendoza, mostró una Instalación, presentaba una “rockola” luminosa y colorida tocando salsa de manera estridente, y a su lado, en una mesa de bar, con mantel de hule a cuadros, una mujer, estaba sentada cada domingo “esperando” sus clientes.

1978

Margarita D’Amico, presentó en la Sala “C”, de la Biblioteca de la Universidad Central de Venezuela, la primera muestra de video arte, hecho en Venezuela, con “Video-Performances” y con “Video Instalaciones”. Estas instalaciones fueron realizadas por Diego Risquez con kilos y kilos de granos de maíz (a propósito del hombre del maíz), Luis Villamizar, desplegando metros de telas blancas que cruzaban por la sala y huellas de pies hechas con espejos (¿Huellas?) y Carlos Zerpa con altares religiosos realizados sobre sillas y monitores (Un altar para la patria). Esas instalaciones se llevaron ese mismo año a los espacios del CAYC en Buenos Aires, Argentina.

1979

En 11 tipos, realizado en la Sala Mendoza, participó Diego Barboza, con un enorme cilindro transparente como una gigantesca Trompa de Falopio, que colgaba a doble altura del piso superior. De él salían, células de todo tipo, espermatozoides y óvulos. Todos realizados en forma de cojines de seda de vivos colores que podían ser manipulados. Representaba la vida, el hombre, el uso del espacio, la participación y el humor.

1980

En la exposición "Cada cual con su santo propio", de Carlos Zerpa, en la Casa de la Cultura de Maracay, aparte de las vitrinas con objetos, realiza una instalación cubriendo el piso de una de las salas, con tierra en donde estaban plantadas más de 100 cruces de madera, de un metro de altura, recreando un cementerio dentro de esa sala de exposiciones. Esta instalación se mostró también en su exposición Cada cual con su santo propio, en la galería del Teatro de la Campana, en Valencia y en la Galería Contracorriente de Caracas (ahí también realizó otra instalación recubriendo el piso del baño con botellas quebradas y dejando todo el tiempo la ducha abierta)

1981

Antonieta Sosa, hace un rancho de ladrillos y lo instala dentro del Museo de Bellas Artes en Caracas. Una “situación” titulada “Casa”, la cual estaba hecha de bloques rojos que en su parte superior tenía trozos de vidrio, dando el aspecto característico de cualquier rancho o vivienda marginal en Caracas. Los ella junto a unos amigos y gente del público, lanzaron por una de las ventanas, 10 copas de vidrio y luego otras 10 copas, hacia el interior del rancho, que se quiebran al chocar contra el piso.

1981

Yeni y Nan, realizan su propuesta Integraciones del agua, con bolsas enormes de plástico, llenas de agua en donde estaban ellas sumergidas como parte de su performance, que busca analogías con el nacimiento y lo amniótico. Cuerpos sumergidos en agua en una relación con los ríos y el mar en donde surgió el principio de la vida.

1982

El Grupo Peligro, integrado por Elvira García, William Niño Araque, María Teresa Novoa, John Petrizzelli, Miguel Ángel Piñero, Isabel Polar y Alejandro Varderi, realizaron instalaciones e intervenciones urbanas, desplegando bolsas enormes de plástico blanco, como si fueran de basura, con la inscripción “PELIGRO” en varios lugares de Caracas.

1982 al 86 con Pedro Terán

"La morada del Chaman". En el Salón Michelena. 1982. "Dorado", Espacio Alterno. 1983. Primera exposición en el país enteramente de instalaciones. Participación en la Bienal de Sao Paulo con 3 instalaciones, 1985 y "Esculturaleza" esa gran instalación en el Museo de La Rinconada. I986, entre otras obras previo a la década del 90.

1984

Milton Becerra en la II Bienal de Escultura in situ en el Castillo de San Carlos Borromeo, Porlamar, Estado Nueva Esparta, presenta una gran hacha de 10 metros realizada con troncos de cocoteros y una piedra de dos toneladas, la cual arde en fuego. Participa también en la Nueva naturaleza, II Salón del Museo de Barquisimeto, Estado Lara, con una gran instalación que presenta una lanza indígena de cuatro metros de largo, clavada en el centro de una espiral dibujada sobre la tierra.

1984

El Viaje inverso, es una propuesta que representó en forma simbólica a Venezuela en la Bienal de Venecia, posteriormente exhibida en el Museo de Arte Contemporáneo de Caracas Sofía Imber. Los artistas Jorge Pizzani, Milton Becerra, Leonor Arraiz, Diego Rísquez y el curador Luis Ángel Duque, ideólogo del grupo, escenificaron un imaginario "Viaje inverso de Colón". Pinturas, esculturas e intervenciones en los muros, teniendo como protagonista a un peñero, una barca, en el medio de la sala del museo.

1985

En su exposición “Grrr” en el museo de Bellas Artes de Caracas, Carlos Zerpa mostró tres instalaciones extraídas de su película, video/performance, “Uber Carlos”. 1- Una mesa con comida exótica, Platos con perlas, peonias, pirañas, botellas de vino, copas, calcos brazos con manos, etc. Con un muro en donde había una ventana con un paisaje con luna en escarcha. 2- Un baño con lavamanos, espejo y un muro cubierto con páginas de la Biblia como baldosas, con la cortina de la ducha pintada con símbolos sadomasoquistas y en el piso un cisne de cerámica y fotos de un performance con un machete. 3- Un muro con una vitrina, una silla con ramos de rosas rojas y carteles intervenidos de una manera expresionista. Estas instalaciones se hicieron también en el año 1986 en la Intar Galería, en Nueva York, EE. UU. En el Museo Francisco Narváez, Porlamar, Venezuela. En la Galería Braulio Salazar, Valencia, Venezuela y en el Museo de Barquisimeto, Edo. Lara, Venezuela

1985

Las “Nenias” de Gerd Leufert se muestran en el Museo Nacional de Bellas Artes de Caracas. Elementos geométricos y orgánicos pintados a gran escala, en color negro en los muros del museo. "Nenias" significa "Elegías", Leufert rinde homenaje a una tribu indígena venezolana, los Yanomamis, cuyas obras de arte sirvieron de inspiración para su lenguaje formal.

1986

Baptisterio Zaranda. Intervención pictórica de Carlos Zerpa, al Baptisterio en la antigua sede del Hospital La Caridad. Museo de Arte De Barquisimeto Edo. Lara, Venezuela

1987

Se realiza la instalación colectiva "La conquista del espacio", en la fábrica de pólvora, Krupp, Universidad de Kassel, K18, en el marco de la Documenta 8, Kassel, Alemania. En dónde participan, Rafael Barrios, Milton Becerra, Leonor Arraiz, Jorge Pizzani y el curador Luis Ángel Duque, ideólogo del grupo,

1987

En la exposición “India Nova”, de Carlos Zerpa en la Sala Mendoza de Caracas, se muestra también una instalación llamada “Pequeña salita tropical” en la que se recrea una sala con muebles con machetes afilados, mesas, lámparas de pie, un televisor con cabezas humanas en la pantalla, tiburones inflables, caimanes disecados de color rosado, todas las paredes con colores estridentes y cientos de arañas, escorpiones y sapos enormes trepando por los muros. Esta instalación se realizó también en el Museo de Arte Contemporáneo Francisco Narváez de Venezuela y en la Sungkyunkwan University Gallery, en Seúl, Corea del Sur

UNA DECADA de1980 a1989 y asomando la nariz algo de los 90s

No hemos incorporado aquí, a quienes han hecho instalaciones desde los años 90s hasta el día de hoy en el año 2025, pues la lista sería interminable.

Pero es bueno tener presente que los años 90s comienzan teniendo a las instalaciones, básicamente como protagonistas. La Bienal de Guayana, el Salón Pirelli de Jóvenes Artistas en el MAC,Salón Nacional de Jóvenes Artistas en el MAC, Salón Jóvenes con FIA, la muestra Accrochage (Roberto Obregón, Sigfredo Chacón, Héctor Fuenmayor, Eugenio Espinoza y Alfred Wenemoser) y sobre todo en la GAN, la exposición CCS-10, Arte venezolano actual, El curador Álvaro Sotillo convocó a diez artistas y a cada uno de ellos le pidió que crearan una obra especialmente pensada para el espacio asignado. Las instalaciones fueron, 1- Rosa Enferma de Roberto Obregón, pétalos enormes pintados de negro, directamente al muro. 2- Sigfredo Chacón expuso la Rejilla Camuflajeada Dálmata y 16 Bandejas en Blanco y Negro. 3- Héctor Fuenmayor dispersó matemáticamente panes por todo el piso. La Multiplicación de los panes, una compleja metáfora de la creación donde se combina una alegoría bíblica con una situación cibernética. 4- Eugenio Espinoza presentó, La Dama de Noche, tapizando casi 30 metros de pared con la fachada de un moderno edificio negro de grandes cuadrados de vidrio, allí estaba presente la cuadrícula. 5- Oscar Machado creó in situ gigantes vestigios escultóricos de otras épocas, esculturas en cemento. 6- Alfred Wenemoser erigió una inmensa torre de metal y un conjunto de túneles que dialogaban con el Mural de Bruselas de Jesús Soto. 7- José Gabriel Fernández propuso una imbricada red de tuberías de electricidad y luces de neón, contraponiendo el producto cultural al elemento natural. 8- Sammy Cucher mostró sus Glifos y Cultivos, garabatos con una marcada impronta psicológica. 9- Meyer Vaisman construyó Verde por fuera, Rojo por dentro, un rancho autobiográfico, recreando en su interior, el cuarto del artista cuando era joven. 10- José Antonio Hernández-Diez mostró La Hermandad, una videoinstalación, unas patinetas hechas de piel de cerdo frita, patinetas de chicharrón, acompañadas por tres videos que registraban las etapas de estos objetos, nacimiento (friéndose en la sartén), vida (rodando por las calles) y muerte (devoradas por perros callejeros).

Vale la pena hacer notar aquí, de los años 90s, la majestuosa Escalera de Manoa en Ciudad Bolívar, hecha por Pedro Terán para la Bienal de Guayana en 1994, en donde los peldaños son cubiertos con hojilla de oro para desenterrar de la memoria colectiva el mito de El Dorado. También hay que mencionar la instalación, Ewaipanoma-Yanomami, de Ana María Mazzei, una formación romboide que reúne cerca de un centenar de moles corpóreas, cilíndricas, como “Porfiaos” o sacos de boxeo, que funcionan a manera de figuras pivotantes. Son 99 elementos inflables de 2 mts de altura con Imágenes de un Shaman y un Ewaipanoma, hombre sin cabeza, la Instalación de forma triangular, conformaba un ejército de avanzada. El espectador caminaba en el interior tropezando los elementos pivotantes, según el juego" Porfiado" empujándolos al pasar, indicando la metáfora. "Empujando los orígenes" pero a su vez este origen se DEVUELVE. Los porfiados se encuentran en el Museo Alejandro Otero, y en la colección CA-FE. Hay que hacer mención de la casa entera de Antonieta Sosa, Cas(A)nto, en el Museo de Bellas Artes en 1998. También la instalación La extracción de la piedra de la locura de Javier Téllez, camas de pacientes, fotografias, objetos y piñatas del Manicomio de Bárbula, a los espacios del Museo de Bellas Artes de Caracas en 1996 y de Francisco Bugallo, en el Museo de Arte Contemporáneo Sofía Imber, en 1993, su instalación pictórica titulada Imagen y semejanza, en donde reinterpreta, en escala exacta, el cuadro La Balsa de la Medusa de Géricault (491 x 716 cm). sobre maderas, tablas cortadas de un árbol entero y distribuidas en el piso y la instalación de Sigfredo Chacón "Horror Vacui” Chicago 1992, compuesta por siete marcos enormes, siete cuadrados de 254 x 254 x 19 cm, uno pegado a la pared y el siguiente recostado, el siguiente pegado y el cuarto recostado y así. Una serie de marcos monocromáticos con centros vacíos, colgados y apoyados alternativamente contra las paredes.

Son muchos los artistas que en los años 80s, incorporaron a las instalaciones en sus propuestas artísticas, va un listado de ellos, pero de antemano les decimos que este listado está incompleto.

Pedro Tagliafico, Milton Becerra, Marcos Salazar, Ángel Vivas Arias, Nelson Garrido, Domenico Silvestro, Lothar Baumgrten, Leonor Arraiz, Asdrúbal Colmenares, Sammy Cucher, Jorge Pizzani, Miguel Von Dangel, José Antonio Hernández Diez, Harry Abend, Luis Lartitegui, Carlos Quintana, Alfredo Ramírez, Meyer Vaisman, José Gabriel Fernández, Oscar Machado, Luis Romero, Luis Salazar, Antonio Lazo, Francisco Bugallo, Roberto Obregón, Alfred Wenemoser, Carlos Castillo, Luis Lizardo, Asdrúbal Colmenares, Carlos Medina, Felipe Herrera, Jacobo Borges, James Mathison, Pedro Fermín, Julio Pacheco Rivas, Víctor Valera, Carlos Rojas, Rafael De Pool, Luis Poleo, Miguel Ángel Noya, Alexis Mujica, Javier Téllez, Jorge Stever, Víctor Lucena, Noemi Marquez, Carlos Sosa, Gabriel Morera, Elba Damast, Javier Level, Alberto Asprino, Patricia Van Dalen, Rafael Barrios, Pedro León Zapata, María Teresa Torras, Alexander Apóstol, Alessandro Balteo, Mariana Bunimov, Luis Molina-Pantin, Emilia Azcarate, Magdalena Fernández, Adrian Pujol, Ricardo Benaim, Emilia Sunyer, Nela Ochoa, Pancho Quilici, Samuel Baroni, Octavio Ruso, Clemencia Labin, Henry Bermúdez, Freddy Pereira, Juan Loyola, Deborah Castillo… El listado crece y crece, ya no podemos seguir agregando nombres, les pedimos disculpas a los artistas que hemos omitido.